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La volpe che non arriva all'uva... le scrive una poesia. Dico questo perché penso che nulla come una poesia sia adatta a misurare la distanza: la distanza tra due persone, la distanza dai propri sentimenti, ma anche quella distanza mentale tra ciò che si può afferrare e quel che non si può afferrare; la distanza tra ciò che si vuole e ciò che è. Questa raccolta è dunque un tentativo di dire una distanza, ma anche di addomesticarla nella forma poetica cercando di colmare il "pezzo" che rimane vuoto (vuoto per la riflessione, per l'animo, per il corpo), "pezzo" che in fin dei conti resta incolmabile. Le poesie sono state scritte in giorni consecutivi, circa una al giorno (seppur in seguito siano state ricorrette) e mosse dalla stessa motivazione così da risultare in un qualche modo un racconto unico.

Poesia

Distanza

Quella che state per leggere non è tanto una raccolta di poesie quanto il racconto di un periodo di crisi, per questo motivo il sottotitolo: "diario sentimentale". Il lettore o la lettrice sarà di fronte a poesie, ma anche ad appunti, sensazioni e riflessioni, in forma poetica, che si richiamano a vicenda in una narrazione disorganica ma unitaria; sarà di fronte alla storia di un uomo che si racconta, che si trasfigura in una narrazione fatta di versi. Il titolo "Fuori posto" si riferisce a quel senso di precarietà, d'inadeguatezza e di disagio emotivo e sociale: l'incapacità di amare, di integrarsi e di costruire che porta a sentirsi sempre nel posto sbagliato. L'articolazione del diario è in quattro parti: nella prima, "Discorso interrotto", ci si riferisce ad una rottura sentimentale; nella seconda parte, "Discorso interdetto" il tema passa al disagio sociale e all'incapacità di integrarsi in gruppi con una certa progettualità politica; la terza parte, "Discorso ininterrotto", evoca figure femminili, come rappresentazioni salvifiche e messianiche, ma il discorso non trova mai la sua soddisfazione (la sua conclusione) tutto resta come sospeso in un'attesa escatologia e soteriologica; l'ultima parte, dunque, "la fine del discorso", abbraccia scenari apocalittici, riflessioni e confessioni.

Fuori Posto - Diario sentimentale

Queste poesie, dall'umorismo nero che si fonde alla cupa tristezza, per tornare al sorriso, ma di traverso, mai dritto, sono già state scritte, da quasi tutti noi che le leggiamo. Sono state scritte nei momenti di gioia, pochi e distratti, in quelli di dolore, indimenticati. Sono state scritte ma non sono state ricordate, non le abbiamo lette in quel modo, con quella metrica, con quel metronomo. Le abbiamo scritte, ma non abbiamo mai avuto la giusta sedia per sederci e leggerle. Pantano, semplicemente, ci ha dato la sedia perfetta, con la perfetta visuale. Versione bilingue: italiano/inglese.

Dogs

“Il Giardino dell’Anima” vuole essere un viaggio di sentimenti, confessioni, lembi dell’esistenza: trasparenza di ricordi, spesso amari, che cercano di rischiarirsi di luce. Un iter catartico in una dimensione filtrata attraverso scansioni che veicolano più forza al vivere. La poesia di Annamaria rivela una ricchezza di contenuti perfettamente organica all’ armonia del segno. In questo percorso il lettore può incantarsi nella ricerca di valori e significati, identificandosi nelle sottili vibrazioni emotive e nelle luci evocative di un viaggio che, attraverso le stagioni del tempo e dello spazio, ci guida alla conoscenza di noi stessi. 

Il Giardino dell'Anima

Il tragicomico alberga in questa salita agli inferi. E più si sprofonda, più si sente quell'irresistibile ascesa, quel balzo verso il tragico che si stravolge nel ghigno di una maschera che di continuo scompare per riapparire subito in quel magma senza tregua, tra le incursioni di un'aria d'opera o di un B movie. Si comicizza la tragédie humaine e si alleggerisce proprio quando e dove sembrerebbe sprofondare irrimediabilmente. E Shakespeare sia- parafrasiamo, capovolgiamo- le parole di Gigliucci volano verso l'alto, e i nostri pensieri non restano in basso, ma anch'essi vanno lassù perché le parole piene di questo pensiero articolato tra la lingua e la linguaccia arrivano dritte al cielo- e anche noi non possiamo che guardare in alto, Oh, qual caduta fu quella... Sheila Concari Roberto Gigliucci è nato a Monterotondo (Roma) il 31 dicembre 1962. È ricercatore di Letteratura Italiana presso Università degli Studi di Roma La Sapienza, dove svolge a tempo pieno attività di didattica e di ricerca. Ha pubblicato edizioni di testi, critiche e commentate, e saggi in volume di ambito medievale, umanistico, rinascimentale, moderno. Ha tenuto lezioni in varie università estere, fra cui Oxford, Royal Holloway (London), Santiago de Compostela, Capodistriana di Atene, Coimbra, Losanna, Tolosa. Diplomato in regia al Centro Sperimentale di Cinematografia, ha realizzato documentari per la RAI, cortometraggi di fiction, e ha lavorato come sceneggiatore.

Sans nothing

"Il canto dell'assenza, che è attesa" Una voce unica, potente e delicata insieme, nel panorama della poesia italiana, ancora purtroppo non valorizzata come dovrebbe. Giovane studentessa iscritta alla facoltà di Lettere della Statale di Milano, frequenta i corsi di filosofia tenuti da Antonio Banfi, in particolare le lezioni di estetica, e non fatica ad entrare nel gruppo ristretto dei suoi allievi prediletti dove, tra gli altri, troviamo Vittorio Sereni, Giulio Preti, Remo Cantoni, Alberto Mondadori, Enzo Paci, Luciano Anceschi e Maria Corti, di qualche anno più giovane. Questo cenacolo intellettuale stimola profondamente Antonia che si avvicina sempre più alla poesia studiata ma soprattutto agita. Antonia possiede un mondo di affetti e di valori che mostra notevoli diversità da quelli famigliari, ma non riesce a realizzare né ad esternare la sua ribellione - se non nella poesia, dove compare più la natura che non le persone e dove si affollano le metafore dell'acqua e dei monti, a indicare una ricerca di sé che confina con l'annullamento. In questa raccolta di poesie, che racchiude quasi interamente la produzione di Antonia, troviamo dei versi, in Canto della mia nudità, significativi per comprendere la forza poetica di Antonia, i desideri e la comprensione di sé: "Oggi, m'inarco nuda, nel nitore / del bagno bianco e m'inarcherò nuda / domani sopra un letto, se qualcuno / mi prenderà. E un giorno nuda, sola, / stesa supina sotto troppa terra, / starò, quando la morte avrà chiamato". Note sull'autrice: Antonia Pozzi è una delle più apprezzate poetesse italiane. Montale ne propose l'inserimento nella più famosa collana di poesia della Mondadori. Giovane studentessa iscritta alla facoltà di Lettere della Statale di Milano, si inserì in un circolo intellettuale formato da Antonio Banfi, Vittorio Sereni, Enzo Paci, Dino Formaggio, Maria Corti e altri ancora. Animo sensibile, dotata di forte interiorità, Antonia inizia a scrivere versi a 17 anni, colpendo per la sua forte ricerca mistica, anche se laica. Muore suicida il 3 dicembre 1938.

Parole

È sdraiato qui un corpo- contrasto nero e bianco- che vive senza mezzi termini e muore nello stesso momento, che si spoglia e si riveste di tregue rotte all'improvviso, che cambia senza sosta colore, scivolando in un buio luminescente per poi riemergere trasformato in altro corpo, vezzeggiato e squarciato da una inesorabile laus mortis. Sheila Concari Cristiana Panella (Roma, 1968) è senior researcher in antropologia sociale e culturale. Vive e lavora in Belgio. E Visiting Professor in Antropologia Sociale e Culturale presso l'Università degli Studi di Milano. I risultati delle sue ricerche sono stati presentati in decine di pubblicazioni e convegni internazionali in Europa, Canada e Stati Uniti. Parallelamente alla sua attività di ricerca accademica, ha collaborato come editor e lettrice con la casa editrice di prosa e poesia performativa di Bruxelles maelstrÔm ReEvolution. Suoi testi di poesia in prosa e prosa poetica, note critiche e traduzioni di poesia francofona figurano in diverse riviste italiane on-line. Nel 2022 ha vinto il Premio di poesia e prosa Lorenzo Montano per la sezione « prosa inedita » con un testo dedicato e ispirato al poeta Dino Campana, dalle segrete, canto (Anterem Edizioni 2023).

abbecedario della scintilla

Voce tra le più originali del Novecento spagnolo, amico di S. Dalí e L. Buñuel, partecipò ai vari tentativi modernisti, specialmente impressionisti. Morì durante i primi giorni della guerra civile, fucilato dai franchisti. Talvolta ridotto a cantore folkloristico dell'Andalusia per raccolte come il Romancero gitano (1928), suo primo successo popolare, G.L. in realtà superò questa posizione raccogliendo suggestioni derivate sia dalla tradizione spagnola seicentesca sia dalle moderne avanguardie. Il desiderio del poeta, infatti, fu sempre rivolto a superare l'angusta e provinciale posizione di cantore andaluso che gli derivava da parecchie circostanze spesso estranee alla sua poesia. Il mito, che si impossessò di lui alla morte, lo volle poeta immediato e quasi demoniaco, di scarsa cultura, arrivando anche a dargli un'ascendenza zingaresca. Ma fin dalle prime battute poetiche (Libro de poemas, Canciones, Poema del cante jondo) sono presenti alcuni tratti dominanti di tutta la sua produzione lirica: la metafora sorprendente, il mistero, la sensazione dell'indefinito. Con Romancero gitano il clima di tensione drammatica e la trasposizione metaforica continua raggiungono la loro espressione più matura. La poesia lorchiana posteriore si apre verso nuove esperienze: evasione dal mondo popolare andaluso e dalle forme metriche abituali; presenza di temi nuovi; eliminazione del metro e della rima. Un grande poeta, insomma, una voce limpida e forte, una poesia alta; racchiusa in un'unica, completa, raccolta.

Poesie. Raccolta completa

"L'è el dì di Mort, alegher!" è la poesia-capolavoro di Delio Tessa che affronta nei lavori temi come quelli del dramma della prima guerra mondiale (e della guerra in generale) e della vita quotidiana degli "emarginati della società", rielaborandoli in forme del tutto personali e avendo massima cura della musicalità e della sonorità dei versi. In questo testo si parte dal parallelo della celebrazione laica e un po' edonistica della ricorrenza dei Morti (con le "scampagnate" al cimitero e i dolcetti) con la disfatta di Caporetto del '17, durante la Grande Guerra, per arrivare alla consapevolezza della caducità e della sostanziale stoltezza della vita. L'invito finale è di godersi i rari attimi di felicità che la vita ci può dare, compresa la celebrazione della Morte, un ineluttabile riconoscimento dell'essenza umana. Se, dunque, la personalità di Tessa è dominata da un senso di sfiducia negli uomini e nelle loro istituzioni, dalla perdita della fede e dalla consapevolezza di un destino duro ed inflessibile, cui molto aveva contribuito la realtà della prima guerra mondiale; la sua poesia risulta, formalmente, fatta di pure sequenze di suoni, lasciando ai contenuti della stessa la funzione di dare un pugno in faccia alla società, che, non dimentichiamoci, era quella fascista. Tessa diventa, oltre che sperimentatore del linguaggio – al di là dell’uso del dialetto utilizza le lingue straniere che conosce – un grande innovatore della poesia italiana, assicurandosi un posto tra i giganti di questo genere.

L'è el dì di mort, alegher!

La poesia di Renzo Baldo si presenta come un incessante esercizio della mente volto a ricercare e a tentare di chiarire a se stesso da parte dell'autore. La poesia dell'autore si individua come "poesia pensante", ricorrendo a una categoria interpretativa che Heidegger ha usato a partire da Holderlin e che nell'età moderna è riferita soprattutto alla poesia di Goethe, in Italia a quella di Leopardi. E' solo questa poesia pensante che può esprimere la fine dei valori e delle illusioni e quindi lo spaesamento dell'uomo contemporaneo. La poesia di Baldo persegue lo sforzo di presentare pensieri strutturati che non siano manifestazioni sentimentali soggettive e del momento e mira a esprimerli "figurando". Renzo Baldo è un autore che ha preferito "tenere nel cassetto" molte delle sue produzioni, pur avendo una statura poetica degna dei maggiori poeti moderni e contemporanei. La pubblicazione delle sue opere, con alcune "perle" davvero pregevoli come il Codice Rutiliano, vuole rendere manifesta una poesia "alta", attratta dalle vicende umane delle quali offre commenti e immagini superlative, impegnata a dare un senso all'umana condizione.

Percorsi metrici

La scapigliatura milanese ha trovato in Emilio Praga uno dei suoi principali esponenti. In questo testo poetico, con influssi precisi del "maledettismo" baudleriano, troviamo una radicale rottura con gli schemi precedenti sia sul piano linguistico - realistico, violento, "plebeo" - sia su quello tematico, istituendo da subito un legame con la materia della realtà, con le sue figure più dimesse e con i luoghi più desueti. La tensione anticonformistica e antiborghese è evidente in tutto il testo: alla tranquillità del mare, dei monti o della campagna, popolata da pescatori, mozzi e nocchieri, mandriani e contadine, si oppone la realtà cittadina e la frenesia di un mondo industriale fatto di fabbri e arrotini, servi e facchini, di officine stridule, opifici oscuri. E' la celebrazione degli umili e del lavoro proletario contro il conservatorismo falsamente moralistico della borghesia industriale, ispirata da una Milano in trasformazione e in crescente e costante movimento.

Penombre

"Le cose ch'io vidi nel fondo del mare, / i baratri oscuri, le luci lontane / e grovigli d'alghe e creature strane, / Senia, a te sola lo voglio narrare". In queste poesie, invece e per fortuna per noi si potrebbe dire, Carlo Michelstadter ci offre una scrittura con la quale ribadisce l'impresa che ha sempre affrontato nella sua breve vita: sottrarre la vita al divenire temporale. L'oggetto principale della sua ricerca, filosofica e poetica, è la vita che fugge, ignara della sua stessa vitalità, gettandosi sempre al prossimo istante. Il poeta è affamato di vita: "famelico aspetto ancor la vita", leggiamo in una poesia. Ma questa aspirazione frana laddove si intravvede l'assenza di realtà, l'utopia, l'assenza di un luogo reale ove questa possa vivere. In queste poesie scorgiamo questa tensione, meglio: la lacerazione vissuta dal poeta che non vuole vivere nel vuoto di ciò che può avvenire, ma divora l'istante vissuto perché solo può dare pienezza di vita. La vita consiste nell'inseguire la vita, ma raggiungerla significa morire, sembra questa la contraddizione che guida la riflessione del poeta, che non ha mai smesso di cercarla, di amarla, di voleva vivere pienamente.

Poesie

La poesia di Gozzano è un richiamo alla realtà quotidiana: non più ricerca di vite eccezionali e inimitabili, ma descrizione dei fenomeni della vita fatta di argomenti provinciali e infantili, signorine un po' brutte, cose un po' vecchie, ambiguità dell'amore senza passione. Il poeta è malato, ma la sua malattia non è fisica: è la consunzione letteraria, l'impossibilità di far corrispondere la vita vera alla letteratura. Tutta l'opera di Gozzano si fonda sulla coscienza del distacco fra letteratura e vita: coscienza amara e funebre che si trasforma in quell'ironia che costituisce il tono primario dei suoi testi. Il vero mondo di Gozzano si ritrova in quella ricca galleria di ritratti femminili che si apre con "bionda povera cosa" "dal profumo disfatto di mammole" "dall'occhio azzurro pervinca" di Un rimorso. Ciò che farà di Felicita la più popolare figura femminile della poesia gozzaniana è questo: ogni figura femminile respira un'aura di minuzioso incanto, reca con sé un'atmosfera di evocazione intensa e puntuale. Gozzano apre un nuovo modo di poetare: egli dà inizio alla poesia del Novecento, dove regna il caos degli oggetti, il vocabolario di cose di poco conto. Autori come Montale e Pavese hanno preso in alta considerazione l'esperimento crepuscolare per riportarlo nella loro poesia, facendo di Guido Gozzano la figura del poeta-ponte tra decadentismo e poesia moderna italiana. L'ebook si completa con un ottimo saggio critico sulla poesia di Gozzano ad opera di Giorgia Marangon, una studiosa tra le più importanti dell'opera del poeta, che insegna all'università di Cordoba.

“Perdere” tempo per ritrovare autenticità “Chi di noi non ha sognato, in quest’epoca di ambizioni, una prosa poetica, musicale ma senza rima e senza ritmo costante, abbastanza flessibile e spezzata da adattarsi ai movimenti lirici dell'anima, alle oscillazioni del fantasticare, ai soprassalti della coscienza … ispirato, come ideale ossessivo, soprattutto dalla frequentazione delle città enormi e dall'incrociarsi dei loro rapporti innumerevoli”. Così si dichiara Baudelaire all’inizio del testo e appunto di Parigi parla nei cinquanta "Petits poèmes en prose", alcuni lunghi poche righe, altri alcune pagine. E di Parigi ne descrive ‘la natura’ o ‘l’anima’ attraverso le relazioni tra i suoi elementi umani e architettonici. Bellissime, in quest’opera, sono le descrizioni che Baudelaire fa degli occhi dei bambini vestiti di stracci e delle fiere mani dei padri che li accompagnano. È un elogio della vita, non solo quando consiglia all’uomo di fuggire il tempo e di abbandonarsi a un’esistenza fatta non solo di doveri ma anche di gioie; è un elogio della vita che egli fa, confrontando il lustro delle caffetterie parigine, contro le quali tanto portentosamente contrastano le umili vesti e i busti ingobbiti di chi elemosina agli angoli delle strade. Lo scrittore suggerisce di guardare con gli occhi di questi poveri, per poter meglio ammirare le luci delle candele che danzano suadenti dietro i vetri dei locali; suggerisce di vestirsi degli stracci dei poveri, per poter meglio apprezzare la tazza di cioccolata calda e la morbidezza di uno scialle. Lo Spleen di Parigi è un libro che parla costantemente di relazioni dinamiche, dell’intrecciarsi di ‘rapporti innumerevoli’, piccoli racconti di episodi visti per strada, come osservati, tenuti a mente e annotati poco dopo, forse la sera stessa, seguiti da valutazioni di vario genere. Talvolta si trova un tono come da parabola sacra. L’ironia più dissacrante arriva inaspettata, l’orgoglio prevale sulla pietà artefatta che si vuole scongiurare con tutta la forza possibile. Baudelaire invita ad ammirare l’onestà e lo stupore perpetuo che giace negli occhi di chi non ha mezzi, quando ammira con rispetto più che con invidia il benessere altrui. E suggerisce a coloro che vivono negli agi di apprezzarne il valore invece di far capricci che portano alla perdizione dell’anima. Il potere e i fasti sono snobbati, domina un’idea differente di nobiltà, quella del flaneur, assoluta, libera. Lo spleen di Parigi è sicuramente uno di quei testi che si dovrebbero leggere in un viaggio adolescenziale, e che sarebbe bello perdere e ritrovare da adulti.

Lo spleen di Parigi

La poesia e la musica napoletana si fondono in una sintesi tanto efficace quanto mirabile dal punto di vista artistico. Racchiuse in un unico testo, le poesie e le canzoni di Salvatore Di Giacomo acquistano un significato unico, capace di farci entrare nel profondo della cultura e dell’arte napoletana. L'esordio dell'autore risale al 1882, quando la casa editrice Ricordi lo mise sotto contratto e fece pubblicare Nannì e E ghiammoncenne me'. Alcuni suoi versi del 1885 sono stati musicati dal compositore abruzzese Francesco Paolo Tosti per quella che resta una delle più famose canzoni in lingua napoletana, Marechiaro, e dal musicista tarantino-napoletano Mario Pasquale Costa di cui ricordiamo anche Era de maggio, in cui due giovani innamorati ricordano il loro primo incontro: a maggio, in un giardino profumato di rose. C'è poi Luna Nova e la spensierata Oilì oilà che irritò i benpensanti milanesi che non si sapevano spiegare il motivo di tanta ilarità in una città appena colpita da gravi epidemie. Marechiaro si rivelò un ritratto per questo villaggio tra le rocce di Posillipo, nel quale Di Giacomo immaginò una bella ragazza, di nome Carolina, che si affaccia da una finestra ricca di piante di garofano. Sempre nello stesso anno Di Giacomo e Costa produssero un altro successo, la canzone appassionata Oje Carulì. Nel 1888 pubblicò la scanzonata Lariulà e scrisse la celeberrima 'E spingule francese, musicata da Enrico De Leva, riproduzione quasi integrale di un canto popolare di Pomigliano d'Arco. L’autore: nato a Napoli il 12 marzo 1860, fu nella prima giovinezza studente di medicina; ma si diede ben presto al giornalismo e soprattutto alla poesia, collaborando a giornali napoletani (prima al Corriere del mattino di Martino Cafiero e al Pungolo, più tardi al Corriere di Napoli), e particolarmente scrivendo liriche, novelle e drammi, diverse espressioni di una medesima personalità artistica, in cui dominano una malinconia d’amore e una profonda pietà umana, raggiungenti a volte il tragico. La sua forma, musicale e pittorica insieme, è ammirevole per sobrietà e curatissima in ogni particolare, segnatamente nelle opere in dialetto napoletano. La preferenza per il dialetto - un dialetto assai affinato e come purificato e reso lieve e poetico - risponde al suo bisogno di liberarsi dalla letteratura. È perciò uno dei più schietti temperamenti lirici e dei più compiuti artisti che l'Italia abbia avuto nel periodo che va dal 1875 al 1900. Liriche perfette sono, tra i suoi versi, l'Appuntamento pel dichiaramento (per il duello camorristico), i sette sonetti A San Francisco (racconto d'un omicidio per gelosia commesso nel carcere napoletano omonimo), i primi due soprattutto di O' funneco verde (magistrali nelle descrizioni degli aspetti della Napoli plebea), Assunta (autodifesa giudiziaria d'un don José napoletano, che ha ammazzato una napoletana Carmen), Irma (una meretrice di strada, che ha mutato in questo nome "forestiero" quello indigeno di Peppinella), Don Aceno 'e fuoco (un gobbetto sguattero, che soffia il fuoco in cucina ed è innamorato della figlia del ricco capocuoco), Ncoppa 'a nu montone 'e munnezza (storia d'un canino randagio, stritolato da un tram e gettato su un mucchio di spazzatura), e tante e tante altre, non senza, per altro, citare due almeno tra le sue più popolari, e oggi cosmopolitiche, canzoni piedigrottesche: La luna nova nmiez'a lu mare e Quanno sponta la luna a Marechiaro.

Poesie Canzoni

La più importante raccolta poetica di Giuseppe Parini è uno snodo importante nella cultura letteraria di fine 1700 inizio 1800. Pur non essendo un progetto poetico organico, Le Odi hanno alcuni temi ricorrenti e in particolare, la convinzione del poeta della possibilità della poesia di intervenire sui problemi della società. Anche gli ideali dell'Illuminismo trovano sede in queste poesie, unitamente alla necessità di formare adeguatamente la classe dirigente agendo sulla integrità morale di ciascuno. Infine non poteva mancare la celebrazione della bellezza femminile, strumento stesso della poesia. Una raccolta unica, che ci mostra un grande poeta italiano, da conoscere in quanto patrimonio della nostra cultura.

Le odi

Poesia sublime Era il 1797, quando Novalis (1772-1801), a seguito della scomparsa della fidanzata Sophie, inizia a comporre l’opera che più caratterizzerà il romanticismo tedesco ed europeo: Inni alla notte. Sophie, morta precocemente, lascerà una sfumatura di vuoto esistenziale cinereo e cupo nella mente del giovane poeta tedesco che può riassumersi con un altro nome significativo: Notte. Molte analisi hanno messo in luce un’analogia con l’opera di Dante Alighieri che, con la morte dell’amore idealizzato Beatrice, entra in una crisi esistenziale profonda chiamata Inferno, per risalire fino all’Empireo e quindi alla Fede. L’inizio dell’opera getta il lettore nella malinconia di un passato introvabile, un’ossessione: il passato, che sfugge fino a scomparire, o ad apparire in lacrime di disperazione. Ma la disperazione porta alla poesia, la poesia all’espressione dell’Io e l’espressione dell’Io a Dio, che può essere la Notte, cupa ma sempre luminosa e vigile, o la Pietà di Cristo. Ed è proprio questo che esprimono i Canti Spirituali, il bisogno della pietà, in un momento in cui vigeva un ateismo potente e scientifico e la scienza, si sa, è antiespressiva, ma anche il bisogno che ha l’essere umano della Pietà, e Novalis stesso. Quindi la storia è allegoria dell’uomo, come l’uomo della storia, e tutto questo è Novalis, e Novalis è il manifesto romantico: “Mi ripiego verso la sacra notte, impronunciabile, colma di misteri. In gocce di rugiada voglio precipitare, mischiandomi con la cenere”.

Inni alla notte Canti spirituali

Маяковский. La lettera я è la terza del cognome del poeta russo, e ha un suono che corrisponde grosso modo al nostro dittongo «ia». Fino al 1995 la norma internazionale ISO 9 suggeriva di traslitterare la я con due caratteri latini, «ja». Da quell’anno è uscita una nuova versione della norma ISO 9, che permette di avere una corrispondenza biunivoca tra i 33 caratteri dell’alfabeto russo e quelli latini corrispondenti. Di conseguenza in base alla norma internazionale non si scriverà più «Majakovskij», ma «Maâkovskij». Lo scopo di questa norma è permettere di ricostruire la grafia cirillica e quella latina di una parola a chiunque, a prescindere dalla conoscenza della lingua russa. Altre due lettere che sono state interessate dalla “riforma” del 1995 sono la х cirillica, che si legge come una h, o come la «c» della parola «casa» pronunciata da un toscano, che prima si trascriveva «ch», e ora si traslittera «h»; e la щ, che prima si trascriveva «šč», e ora si traslittera «ŝ». Per esempio, il cognome del capo della Russia dal 1953 al 1964, Хрущёв, che contiene in terza posizione quella lettera, e che prima veniva scritto in vario modo tra cui spesso, alla buona, «Krusciov», ora dovrebbe traslitterarsi «Hruŝëv». Le poesie di Maâkovskij sono famose in tutto il mondo perché con le sue “scalette” di versi e con la sua sperimentazione lessicale e grafica sono state innovative e, per un certo tempo, sono state compagne di strada del regime totalitario instauratosi nell’ottobre 1917. Nel 1923 Maâkovskij andò a New York e davanti a un grattacielo fu ispirato a scrivere la sua prima poesia “a scaletta”. Probabilmente è stato ispirato dalle finestre accese/spente del grattacielo. Dal 1923 al 1930, anno del suicidio, quasi tutte le sue poesie sono scritte così, con i versi che non vanno a capo del tutto, descrivendo delle “scalette” con i caratteri tipografici. Il suicidio del poeta nel 1930 – causato in parte dalla disperazione del proprio amore possessivo per Verónika Polónskaâ – si inserisce nel contesto della divaricazione sempre più marcata tra il poeta della (sua personale idealizzata astratta) rivoluzione, e il poeta di riferimento del Partito comunista dell’Urss – ruolo, quest’ultimo, che lo metteva sempre più a disagio. I poeti morti suicidi spesso godono di una fama particolare, e in questo Maâkovskij non fa eccezione. Sono stati fatti diversi studi scientifici sulla correlazione tra malattia mentale e poesia, e tra poesia e suicidio, e sono state scoperte varie cose interessanti. In sostanza esiste una correlazione positiva tra schizofrenia e creatività verbale e in particolare poetica. La cosa non deve sorprendere, se pensiamo che scrivere poesie significa spingere al limite estremo il confine tra scrittura – e quindi sintassi, linearità della prosa – e associazione libera – e quindi paradigma, salto logico, metafora, nesso privato. Per dirlo con un termine che è volutamente in parte tecnico-medico e in parte suggestivo di una collocazione di frontiera, i poeti sono «borderline», cavalcano il confine tra lingua e metalinguaggio, fanno il surf sull’onda che separa l’esposizione ordinata e l’affastellamento creativo, e a volte ne sono travolti. Maâkovskij soffriva di certo di un delirio di onnipotenza-grandezza.

Tutte le poesie 1912-1930

La poesia di Giosuè Carducci appartiene ormai alla Grande Poesia, la poesia che è diventata immortale e che avrà sempre un posto d'onore nella letteratura di ogni tempo. Carducci costruisce una poesia di ampio respiro, con toni spesso impetuosi e drammatici, utilizzando spesso una lingua aulica, ma senza eccedere nella sua marcatura. Imbevuto e immerso nella cultura risorgimentale che chiedeva un forte impegno morale per ritornare alla forza interiore che aveva animato la prima metà del 1800, Carducci ricorda con nostalgia quei tempi e riprendendo gli ideali del romanticismo invita all'amore per la libertà, la fede forte negli ideali, la contemplazione, a volte commossa, della natura. Carducci peraltro, manifesta anche una vicinanza con gli ideali positivistici: fiducia nella ragione, nella scienza e nel progresso. Controverso fu anche il rapporto con la religione cattolica: molto credente ma poco incline a considerare positivamente l'operato dei sacerdoti. Pur non essendo contro Dio e il divino, scrisse un Inno a Satana che gli procurò molte polemiche e critiche. Resta da dire che la poesia di Carducci è forte e vibrante e vale la pena riportare la motivazione con la quale gli fu consegnato, nel 1906, il Premio Nobel per la Letteratura: "non solo in considerazione della ricerca critica e del grande insegnamento profuso, soprattuto il tributo va alla sua energia creativa, la freschezza di stile e la forza lirica con la quale caratterizza le sue poesie".

Poesie 1850-1900

Le Poesie sono una parte della produzione letteraria meno conosciuta al grande pubblico, ma sicuramente non di secondaria rilevanza nella poetica pirandelliana. La produzione di poesia impiega Pirandello per circa trent'anni: dal 1883 al 1912, e non rimanda a nessuna delle correnti letterarie presenti al tempo dello scrittore. Pirandello, piuttosto, vuole restare legato alle forme e al metro della lirica classica. Nella prima antologia poetica dell'ebook, Mal Giocondo, la cui prima lirica risale al 1880 quando Pirandello aveva solo tredici anni, emerge uno dei tratti dell'ultima estetica pirandelliana: il contrasto tra la serenità classica del mito e l'ipocrisia e la immoralità sociale della contemporaneità. Inoltre sono presenti, come afferma lo stesso Pirandello, i toni umoristici che lo scrittore utilizzerà moltissimo nelle sue produzioni più note. Le poesie, quindi, costituiscono un valido e imprescindibile banco di prova per comprendere al meglio l'opera letteraria, grandissima, di Luigi Pirandello, premio Nobel per la letteratura.

Tutte le poesie

Myricae è una raccolta in progress, esito di un’elaborazione lunga e complessa come poche altre. Tra i grandi libri della poesia italiana otto-novecentesca, oltre ai pascoliani Canti di Castelvecchio, forse solo l’ungarettiana Allegria e, sia pure in modo diverso, il Canzoniere di Saba hanno storie editoriali e compositive altrettanto articolate. La vicenda di Myricae corre parallela al primo tratto del percorso poetico del suo autore. La testimonianza più antica risale al 1889, quando compare nelle carte di Pascoli la nota citazione dall’incipit della quarta bucolica di Virgilio ("[...] paulo maiora canamus. | Non omnis arbusta iuvant humilesque myricae"; "Cantiamo argomenti un po' più elevati! Non a tutti piacciono gli arbusti, e le umile piante delle tamerici") da cui ha avuto origine il titolo della raccolta. Myricae è una rievocazione dei familiari scomparsi del poeta, il che giustifica il tono triste all’intera opera. I defunti lo invocano per non essere dimenticati, per ricevere quella giustizia che fu loro negata in vita. Il senso d'emarginazione dell'uomo, che vaga nella società come un esule, ha dettato la poesia Patria e il finale di Romagna. Tuttavia la presenza di piante e fiori servono a ristabilire intorno al poeta un mondo naturale e simbolico a lui familiare. La tesi principale che emerge da Myricae riguarda certamente la vanità della vita e della felicità degli esseri umani, (La felicità, Paese notturno, Rammarico, Il nido, Il ponte). Il contesto storico si estende per più di un ventennio dal 1891 al 1903, ma la raccolta non fa alcun riferimento a fatti politici e storici accaduti in questo periodo. Ad eccezione delle poesie dedicate alla morte del padre, tutte le altre esulano dalla contemporaneità del poeta. Si può dire che le liriche di Myricae siano la concretizzazione ante litteram dell’estetica di Benedetto Croce. Sono la sintesi di sentimenti e di immagini, di sentimento e di espressione; unione di tumulto e calma; l’impulso passionale e la mente che lo contiene, in quanto in grado di contemplarlo.

Myricae

La poesia di Michelangelo ci svela un altro aspetto della poliedrica e gigantesca figura di colui che è stato uno dei sommi rappresentanti della cultura italiana. L'opera poetica di Michelangelo, il dialogo poetico che intreccia con eminenti figure dell'élite culturale e religiosa del tempo, ci offrono utili indicazioni per comprendere ancor di più la sua opera scultorea e pittorica. In queste rime troviamo il bisogno di Michelangelo di avere la maggior libertà espressiva possibile, sintomo dell'insofferenza ad aderire rigidamente a correnti o modelli dell'epoca. La poesia di Michelangelo fu considerata eminente già nel Cinquecento: egli fu ritenuto capace di aver fondato la sua lirica su "cose" capaci di sostituire alle vuote parole degli imitatori di Petrarca una realtà amorosa e spirituale vissuta con sensibilità amorosa. Versi e rime, quindi, che ci offrono l'opportunità di penetrare ancor di più nella personalità di una artista eccezionale, in grado di consegnare al mondo e a tutti i tempi un'opera completa e piena di umanità.

Rime

Amore per la verità La matematica, astronoma e filosofa greca Ipazia d'Alessandria ha guidato la scuola neoplatonica alessandrina 1.600 anni fa ed è diventata la prima donna matematica nella storia, sfidando le norme e gli stereotipi culturali della sua epoca, come tante altre sue seguaci nel corso dei millenni successivi. Ipazia, nata nel 360 dopo Cristo, è stata infatti l'unica matematica donna di cui si ha memoria per più di un millennio e la sola figura femminile rappresentata nel dipinto La Scuola di Atene di Raffaello. Il precario equilibrio su cui si reggeva la sua condizione di vita e di studiosa si infranse quando Oreste, prefetto di Alessandria, chiese aiuto e consiglio a Ipazia per gestire la guerra civile e religiosa che stava esplodendo in città. Ipazia venne uccisa nel 415 d.C., e la vita intellettuale dell'ultimo santuario della filosofia ellenica si spense con lei. La scuola alessandrina fu chiusa, tutti i filosofi rimasti in città fuggirono e gli scritti di Ipazia andarono perduti perché considerati eretici dal nuovo culto cristiano. La figura di Ipazia, dimenticata per molti secoli, tornò alla luce durante il Settecento, quando il potere della Chiesa cattolica fu messo in discussione dal pensiero illuminista. È innegabile come la sua morte abbia portato il rapporto tra le donne nella scienza e dottrina cristiana a una distanza che ha richiesto secoli per essere colmata. Diodata Saluzzo Roero ci consgna un poema dove la figura di Ipazia viene presa ad esempio per chiunque abbia amore per la verità, consegandoci dei versi che rendono la figura di Ipazia universale.

Poesia

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