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En sus Recuerdos del tiempo viejo José Zorrilla afirma que escribió El puñal del godo en veinticuatro horas, tras una apuesta. Estrenada el 7 de marzo de 1843, la obra relata la historia de un eremita, a quien se le revela la futura muerte del rey Rodrigo a manos del Conde don Julián, quien se ha aliado con los árabes para facilitarles la conquista de España. Theudia, un siervo del rey, mata al Conde, muestra lo falso de los augurios y anima a Rodrigo a recuperar su trono. La obra mitifica la derrota del rey Rodrigo en Guadalete, antesala de la penetración del islam en la península.

Teatro

El puñal del godo

El auto sacramental Las órdenes militares empieza con la aparición del personaje alegórico de la Culpa, rabiosa por haberse enterado de que una virgen daría a luz a un príncipe, libre del pecado original, que combatiría contra ella como soldado. En cierta escena aparece el Papa para dar una sentencia que declara la limpieza y nobleza de María; ello permitirá que pase las pruebas de limpieza Jesucristo, quien aspira al hábito de una orden militar. La escena se refiere a la publicación de la bula Sollicitudo omnium ecclesiarum por el papa Alejandro VII, ocurrida unos meses antes. Las órdenes militares fue escrita en celebración de esa bula.

Las órdenes militares

En estas comedias destinadas al público infantil el dramaturgo argentino José Ignacio Serralunga demuestra su sensibilidad por los gustos de la platea menuda. Son comedias divertidas, plagadas de situaciones humorísticas, de rimas, de canciones. Una pececita caribeña tiene un sueño casi imposible que la llevará a descubrir el problema del medioambiente en "Hay lío en el río"; una inocente brujita es acusada de brujería en "Wisteria y el Hada"; como ejemplos de historias de ficción. Basadas en hechos históricos, se presentan "El Tigre y el Capitán" (1492); "El sueño de San Martín" y "Belgrano en celeste y blanco". Pero su rigor histórico no le impide imaginar cosas fantásticas: que el Tigre le enseñe cosas al Capitán, que el Caballo de San Martín planifique batallas o que el Pombero, ser legendario guaraní, le sugiera al General Belgrano un reglamento para los pueblos nativos, a cambio de una docena de churros rellenos.

Comedias para público infantil

En "Café para intelectuales" se reúnen cinco obras breves de Teófilo Guerrero que, de tan verosímiles, no precisarían un teatro para ser representadas debido a la engañosa sencillez de la vida cotidiana que ronda por sus diálogos. El director teatral Fausto Ramírez define así su escritura: "En una asombroso juego de malabarismo, nos va llevando a rincones insospechados y a la vez que factibles, con una lógica que nos empuja a pensar, sin caer en el lugar común, que esto que estamos leyendo seguramente está sucediendo en algún rincón de esta ciudad". Fausto Ramírez añade: "Cuando Teo escribe es claro que lo hace desde una aspiración amorosa y cuidada, porque amorosos son los rumbos de sus personajes inmersos en una brutal y desencarnada, a la vez que ineludible, situación. Leer sus textos es un viaje oscuro que en ocasiones cuenta con finales esperanzadores, pero en la misma esperanza fundan su brutalidad".

Café para intelectuales

Siete comedias dramáticas del dramaturgo argentino José Ignacio Serralunga. En ellas, protagonistas comunes, reconocibles, con sus alegrías y sus angustias cotidianas, pero envueltas, por obra de la imaginación, en algunas circunstancias que nos distancian, como espectadores, de esa realidad prosaica. Nada parecen prometer en principio el encuentro del sacerdote con la joven, la dueña de casa y su empleada doméstica, una madre con sus hijos, dos soldados en la víspera de una batalla, o unas inmigrantes francesas en un pueblito argentino en el siglo diecinueve. Salvo que, como sucede en algunas de estas piezas teatrales, aparezcan atisbos de situaciones mágicas, oníricas, incluso mitológicas que harán, por contraste, parecer aún más reales, más atrapantes, las historias.

Comedias dramáticas

En estas seis exitosas comedias del dramaturgo argentino José Ignacio Serralunga el humor se adueña del centro de la escena. El humor como fin: divertir, entretener, hacer reír; y el humor como medio, como herramienta, como filtro. Porque hace tolerable lo intolerable, digerible lo indigerible, aceptable lo inaceptable. ¿Cómo, si no, podríamos soportar y hasta amar a estos personajes tan indignos? Desesperados que venderían sus almas por un deseo, ladrones, corruptos, mezquinos, hasta muertos que no descansan en paz. El humor aparece en estas comedias en todas sus formas, la ironía, la parodia, la farsa, el absurdo. Humor blanco y humor negro, en prosa y en verso, todo en su medida, pintando ámbitos tan diversos como el universo tanguero rioplatense, una leyenda medieval anglosajona, una historia de capa y espada y otra de amores contrariados, el mundo secreto de un panteón familiar, sin esquivar la realidad más candente en un relato políticamente incorrecto.

Comedias de humor

Casi noventa años después, una investigación acerca de la verdadera causa de su fallecimiento hace que la aviadora Myriam Stefford salga de su tumba para reclamar precisiones al "doctor" que se ocupa del caso. ¿Fue accidente o asesinato? El "doctor" no es cualquier persona sino la reencarnación de alguno de los tres participantes del hecho. ¿De ella misma, de su copiloto Ludwig Fuchs o bien de su marido Raúl Barón Biza?Mentiras, glamour, amores y venganzas perversas cobran luz alrededor de este último, controvertido y hoy casi desconocido personaje.

El último carreteo

Rienzi el tribuno es un drama dividido en dos actos y un epílogo. Es un alegato contra la tiranía influido por la corriente renovadora del teatro historicista romántico. La pieza se estrenó en Madrid en el teatro del Circo. La representación de esta obra le concedió a Rosario de Acuña y Villanueva la distinción de ser la segunda mujer del siglo XIX que estrenaba una pieza dramática en el Teatro Español de Madrid.

Rienzi el tribuno

El gigante Amapolases una pieza de teatro político en que se parodia la épica militar instaurada por el tirano Juan Manuel Rosas en la Argentina del siglo XIX. En algún momento de la obra se confunden "Amapolas" y "Rosas" y hace evidente la ironía del título. Alberdi reflexiona sobre el ímpetu revolucionario, la exaltación bélica y la ausencia de un marco legal que conduzca a las fuerzas del cambio hacia una salida realista. A lo largo de la obra se enfrentan con suprema ironía dos extraños ejércitos ilusorios que se combaten ignorándose unos a otros y erigiendo símbolos y valores imaginarios que les sirven de identidad.

El gigante Amapolas

Se conservan media docena de piezas teatrales de Luis Belmonte Bermúdez; la más celebrada es El diablo predicador, y mayor contrario amigo. Apareció como escrito anónimo por el desenfado y libertad de algunos caracteres, y solo tuvo problemas con la censura muchos años después. Sus contemporáneos vieron en ella una exaltación de la orden franciscana y de la práctica de la caridad, pero después se entendió como una crítica anticlerical a causa del gran personaje cómico del lego fray Antolín. En El diablo predicador el demonio es castigado por San Miguel, a causa del hambre que hace pasar a una comunidad franciscana, a pedir limosna para ellos y el mismísimo diablo se transforma en predicador.

El diablo predicador

Los intereses creados es una de las obras teatrales más conocidas de Jacinto Benavente. Tiene el subtítulo de «comedia de polichinelas en dos actos, tres cuadros y un prólogo». Se estrenó el 9 de diciembre de 1907 en el madrileño Teatro Lara. Según apuntó el literato Dámaso Alonso, la fuente de inspiración de esta obra fue El Caballero de Illescas de Lope de Vega. Los intereses creados tiene el tono de una obra picaresca con aliento clásico. Jacinto Benavente construye una trama divertida y rápida. Relata la historia de dos personajes (Leandro y Crispín) quienes llegan a una ciudad y, timo tras timo, consiguen convertirse en próceres locales. Los intereses creados parodia el mito de cómo se consigue poder y notoriedad. Aquí se forjan falsas alianzas que sirven para que otros aprecien el talento, la hidalguía o el buen de hacer de dos timadores. La obra se ocupa de hacer evidente que carecen de semejantes atributos. En cierto modo disecciona la forma en que la notoriedad vana permite que seamos sobrevalorados. Hasta el punto en que, una vez hecho evidente el juego, nadie se atreve a admitir su propia frivolidad, mezquindad y vanagloria. Se han mencionado obras de diversos autores como posibles antecedentes de esta comedia: Moliere, Regnard, Beaumarchais, Ben Jonson, Goldoni, y, claro, la comedia dell'arte. El mismo Benavente escribió: «No ha faltado en torno de Los intereses creados —¿cómo no?— el mosconeo acusador de plagio. Y tan plagio. Los intereses creados es la obra que más se parece a muchas otras de todos los tiempos y de todos los países. A las comedias latinas, a las comedias del arte italiano, a muchas obras de Moliere, de Regnard, de Beaumarchais. A la que menos se parece es, justamente, a la que más dijeron que se parecía, al Volponeoriginal de Ben Jonson.»

Los intereses creados

El personaje protagonista de El antecristo es una figura demoníaca con rasgos propios del antihéroe trágico griego. Ello dota a esta obra de una extraordinaria modernidad, preludio de lo que será tiempo después, la literatura romántica. El antecristo es una manifestación práctica de la nueva forma de dramaturgia que proponía Félix Lope de Vega. Desde su publicación El antecristo no ha estado exenta de polémica. En ese momento porque se equiparaba, en contenido y originalidad, con la obra de Juan Ruiz de Alarcón del mismo nombre y, en estudios posteriores, porque se debate constantemente su posible autoría y su calidad literaria. Es famoso el enfrentamiento de Lope de Vega con su enemigo Ruiz de Alarcón. Se cuenta que en 1623, el día del estreno de la obra del autor mexicano, Lope derramó en el patio de comedias una especie de aceite pestilente. Según otras versiones, lo vertió en las candilejas lo que hizo que muchos de los asistentes se desmayaran. Este acto de Lope parece que fue incitado por las similitudes que la comedia de Ruiz de Alarcón tenía con la obra de Lope, al tratar el mismo tema bíblico.

El antecristo

En la Comedia de San Francisco de Borja, de Matías de Bocanegra, se relata la historia de la emperatriz Isabel de Portugal quien murió en 1539. Poco después su cadáver fue llevado a Granada, según deseo del emperador Carlos V. El cadáver de la bellísima emperatriz fue escoltado por nobles y militares y, al llegar a la entrada de Granada el 16 de mayo de 1539, su ataúd fue abierto para verificar su contenido. Al ver en qué estado habían quedado los restos de la hermosísima Isabel, Francisco de Borja dijo: "Ya no serviré más a señor que se pueda morir". Y entró en la Compañía de Jesús, dando pie al argumento de la Comedia de San Francisco de Borja. El Papa Clemente XI lo canonizó en 1671 como san Francisco de Borja.

Comedia de San Francisco de Borja

Noches lúgubres es la gran obra del escritor y militar José Cadalso. Sin embargo, fue un libro que nunca llegó a publicar en vida. Fue siete años tras su muerte, en 1782, cuando por vio la luz siendo editado en cuatro partes por el periódico el Correo de Madrid. Por su tono infractor y subversivo, Noches lúgubres compareció más de una vez ante el tribunal de la Inquisición y se hicieron de ella varias versiones adecuadas a los ideales de la época. Se entiende que, por su contenido, desde las primeras ediciones se trató de darle un tono moral a la obra. Por medio de modificaciones en el texto o por los prólogos de los editores se intentaba que este libro se impregnase de un tono más moralista, que pudiera hacerla admisible ante la censura o ante los criterios dominantes. Noches lúgubres nos narra la historia de Tediato a lo largo de tres noches especialmente lúgubres. Tediato, su protagonista, dialoga con Lorenzo, el sepulturero del cementerio en que está enterrada Filis, la amada de Tediato. Pretende desenterrar el cadáver para llevarlo a casa y suicidarse, incinerándose a sí mismo junto los restos de la amada. En la primera noche, cuando están a punto de lograrlo, empieza a salir el sol y deben parar. En la segunda, lo confunden con un asesino y lo encarcelan; se topa con el hijo de Lorenzo y conoce las desgracias de la vida de su amigo. Y en la última noche, se ve cómo se marchan para seguir con su cometido. Ninguno de sus deseos puede llevarse a cabo porque noche tras noche los sucesos los interrumpen, y ello lo acaba sumiendo en un negativismo vital. Noches lúgubres es una obra oscura, llena de pesimismo y presagios, escrita siguiendo la moda de los Nights thoughts de Edward Young.

Noches lúgubres

Quién hallará mujer fuerte pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. Su argumento se fundamenta en dos momentos diferentes del Antiguo Testamento. El que le da título, es del libro bíblico de los Proverbios donde aparece la pregunta: «¿Quién hallará una mujer fuerte?». Esta es la pregunta que hace, en la apertura del auto, el personaje alegórico de Sabiduría a las cuatro virtudes cardinales, y luego a Mundo, proponiéndoles, como un certamen, encontrar a la mujer que se menciona en los Proverbios. También aquí se alude al pasaje del Génesis en que una mujer que se considera tradicionalmente como la Virgen se enfrenta a un dragón.

¿Quién hallará mujer fuerte?

A María el corazón pertenece al ciclo de autos sacramentales de Pedro Calderón de la Barca. Los autos sacramentales son obras religiosas de carácter alegórico representadas sobre todo en España y Portugal durante el Corpus Christi. Este género ocupa un papel muy interesante en la tradición teatral de Occidente, pues coexistió, antes de desaparecer, con una incipiente y cada vez más popular narrativa escénica interesada en los individuos, y en los sucesos mundanos.

A María el corazón

A secreto agravio, secreta venganza, de Calderón de la Barca, pertenece al ciclo de comedias inspiradas en el tema de los celos o la venganza en nombre del honor. Otras obras son El médico de su honra, El pintor de su deshonra, El mayor monstruo, los celos, etc. La acción de A secreto agravio, secretavenganza transcurre en Lisboa, donde don Lope de Almeida, un hidalgo casado por poderes con la castellana Doña Leonor de Mendoza, descubre que un antiguo amante de su esposa, que ella creía muerto en el momento de la boda, intenta ahora deshonrarlo. De manera que Don Lope mata a su enemigo y después, siempre en secreto, como indica el título de la pieza, quema a doña Leonor en su palacio.

A secreto agravio, secreta venganza

Amado y aborrecido. Pedro Calderón de la Barca Fragmento de la obra Jornada primera Salen por una parte Dante, y por otra Aurelio Aurelio: ¿Dónde queda el rey? Dante: Detrás de esos ribazos le dejo, en el alcance empeñado de un jabalí, cuyo riesgo veloz Aminta su hermana sigue también. Aurelio: Según eso, ocasión será de que concluyamos nuestro duelo, con la novedad que está citado. Dante: Para ese efecto esperando estaba a vista de este edificio soberbio. Aurelio: Pues llegad; solos estamos. Dante: ¡Ah del soberano centro donde aprisionada vive toda la región del fuego! Aurelio: ¡Ah de la divina esfera del Sol más hermoso y bello que, a pesar de opuestas nubes, abrasa con sus reflejos!

Amado y aborrecido

En Amar después de la muerte Pedro Calderón de la Barca relata una historia de amor inspirada en un tema morisco y ambientado en La Alpujarra y Granada. El mundo islámico se presenta aquí con respeto y, en cierto modo, nostalgia. Esta obra nos traslada a un período oscuro en la historia de España: la revuelta morisca en 1568; ocasionada, entre otras cosas, por la presión de las pragmáticas reales de Felipe II. Esta guerra civil que duró tres años, se convirtió en una lucha por la dignidad, que provocó el casi total exterminio de una minoría. Amar después de la muerte relata una historia de amor. En medio de la Rebelión de La Alpujarra, el ejército de Juan de Austria conquista la villa granadina de Galera. Durante los sucesos una joven, llamada Maleha, muere apuñalada. El Tuzaní, un musulmán, enamorado de la joven, se infiltra entre los soldados cristianos, descubre la identidad del asesino y venga su muerte.

Amar después de la muerte

La dama del alba es una obra de teatro escrita por Alejandro Rodríguez Álvarez, más conocido bajo el seudónimo Alejandro Casona, y estrenada en el Teatro Avenida, de Buenos Aires, el 3 de Noviembre de 1944. Ambientada en la Asturias rural, Martín es un joven taciturno y triste. Anda así tras la desaparición de su esposa Angélica, ahogada unos años antes en la represa del molino. Vive en una casa de labranza con su familia política: la madre,el abueloy tres niños (Andrés, Falín y Dorina).Un buen día aparece una peregrina, la dama del alba, mujer mayor y reservada. La acogen con hospitalidad. Martín, en una noche de gran nevada, rescata a Adela, una joven desesperada dispuesta a acabar con su vida. Con el paso de los días, los jóvenes, Martín y Adela, se enamoran y formalizan su compromiso con el beneplácito de toda la familia. En las hogueras de una noche de San Juan, Martín y Adela confirman su noviazgo. Justo ese día la peregrina anciana vuelve otra vez a la casa, que encuentra vacía, pues todos sus habitantes están en la fiesta del pueblo. Sin embargo, de imprevisto, aparece Angélica, a quien todos creían muerta. En un dramático diálogo entre ambas, descubrimos la verdad. La novia no había muerto ahogada, sino que se había fugado con un amante. Tras maltratos y vejaciones de todo tipo, decide volver a su casa, asumiendo el desprecio de los demás. La dama del alba, que en realidad representa la muerte, ha venido a recogerla, pues tenía una cita con ella. La anciana misteriosa logra persuadir a Angélica para que acepte que su llegada sería negativa para todos y que lo mejor es que realmente se deje llevar por las aguas del remanso del molino. La dama del alba está llena de diálogos en que los personajes intentan desentrañar qué les supone el destino, quién es la Peregrina, qué influjo tiene sobre ellos y qué les puede deparar su presencia. Dudan en vano, los acontecimientos transcurren por sí mismos y poco pueden hacer para detenerlos. Alejando Casona consideraba La dama del alba como su obra favorita. Como sucede en otras obras del autor, la pieza presenta el conflicto entre realidad y fantasía, y otros temas recurrentes del mundo de Alejandro Casona: el suicidio,la belleza de la muerte,la fuerza del amoro la incesante búsqueda de felicidad.En palabras del autor «está dedicada a mi tierra de Asturias, a su paisaje, a sus hombres, a su espíritu».

La dama del alba

Amor, honor y poderes la primera comedia atribuida con certeza a Calderón de la Barca. Se estrenó en Madrid, en el viejo Alcázar, el 29 de junio de 1623, por la compañía de Juan Acacio Bernal. La obra contiene en el título los tres ejes fundamentales de la acción, y se basa en la historia ejemplar titulada "Cómo Eduardo III, rey de Inglaterra, se enamoró de la condesa Salveric y cómo después de haberla seguido por muchas vías, se vino a casar con ella".

Amor, honor y poder

Andrómeda y Perseo pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. En 1653 se representó, en el Coliseo del Buen Retiro, Andrómeda y Perseo. Esta obra se creó para ser representada, en buena parte, en forma musical. Fue escrita por encargo de la joven infanta María Teresa para celebrar la recuperación de su madrastra, la reina Mariana de Austria, restablecida de una enfermedad que se pensó grave. La obra se escenificó varias veces ante toda la corte con gran éxito. Al final se hizo copiar en un manuscrito que se envió a la otra rama de la familia real, en Viena. El manuscrito está hoy en la Houghton Library la universidad de Harvard. Es uno de los poquísimos ejemplos conservados que permiten tener una idea de la sofisticada magnificencia de este tipo de representaciones, más allá del propio texto. Conserva la música que en tantas ocasiones acompañaba las representaciones de nuestro teatro clásico y también los diseños, plenos de detalles, que revelan la complejidad de las tramoyas empleadas y permiten seguir la obra desde que se alza el telón hasta su última escena.

Andrómeda y Perseo

Céfalo y Pocris fue escrita por Calderón para Felipe IV. Se estrenó en los escenarios del Buen Retiro de Madrid para Carnestolendas, en 1660. Calderón aprovecha el tema mitológico ovidiano, parodiando aquí el mito griego de Céfalo y Pocris, y lo traslada al ambiente caballeresco. Céfalo y Pocris es la única comedia burlesca de Calderón en cuyo texto, lleno pirotécnica verbal barroca, se burla de sí mismo, de la Corte y sus personajes a través de una fábula enloquecida.

Céfalo y Pocris

Con quien vengo vengo de Pedro Calderón de la Barca es una comedia de enredos amorosos con un argumento lleno de equívocos, cambios de identidades, disfraces y nocturnidad. Los personajes principales de la comedia son dos parejas de damas y galanes: don Juan y Otavioy Leonor y Lisarda;un viejo, padre de don Juan, y un caballero, don Sancho, hermano de Leonor y Lisarda.A ellos se suma la ﬁgura del gracioso, Celio.La acción se desarrolla en Verona, donde don Juan y Otavio —amigos desde los tiempos de estudiantes en Bolonia— se encuentran porque este último tiene que cumplir una misión secreta, para lo cual se aloja en casa de don Juan. La misión secreta de Otavio es vengarse de don Sancho, hermano de las dos damas, a causa de una antigua contienda amorosa. El personaje de don Juan se enfrenta con la tesitura de defender a su amigo Otavio; o a don Sancho, también amigo, hermano y guardián de la honra de Leonor. Don Juan acude con Otavio a una comprometida cita amorosa con Leonor, a medianoche, y son sorprendidos por don Sancho, en tal circunstancia. Don Juan resuelve el dilema que se le plantea en tal coyuntura poniéndose de parte de Otavio porque es con él con quien ha acudido a la cita. De ahí el título de esta obra: Con quien vengo, vengo.

Con quien vengo vengo

Entre las numerosas creaciones de los hermanos Álvarez Quintero destaca Doña Clarines. La acción transcurre en un pueblo de Castilla. Doña Clarines, el personaje principal, representa la verdad, la justicia, la rectitud y la bondad. La obra fue estrenada en el Teatro Lara de Madrid el 5 de noviembre de 1909. Los hermanos Álvarez Quintero cultivaron un teatro local con gran éxito, y ambientaron sus comedias dentro de la tradición andaluza. Las obras de los hermanos Quintero renuevan la tradición del sainete, del entremés, y la comedia de costumbres, marcada por el sentimentalismo y la comicidad.

Doña Clarines

Darlo todo y no dar nada es una comedia palaciega, abundante en canciones, escrita por Pedro Calderón de la Barca a mediados del siglo XVII. En ella se narran las peripecias de un triángulo entre Alejandro Magno, la bella Campaspe y el pintor Apeles, quien ha sido escogido como pintor oficial de la Corte. En esta obra Alejandro Magno convoca a tres grandes pintores para que hagan un retrato de su persona: Timantes, Zeuxis y Apeles. Cuando le muestran los tres retratos; el de Timantes esconde un notorio defecto del soberano. El cuadro hecho por Zeuxis, ha resaltado el defecto. Sin embargo, el retrato hecho por Apeles, el finalmente escogido, muestra el defecto del rey sin exagerar ni hacer mofa.

Darlo todo y no dar nada

Don Pegote es un entremés, o comedia corta, escrito por el renombrado dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca. Esta obra está centrada en el personaje titular, Don Pegote, quien se convierte en objeto de burla y sátira a lo largo de la obra. A través de este personaje y de las situaciones cómicas en las que se ve envuelto, Calderón de la Barca ofrece una crítica sutil pero punzante a la sociedad española de su época. Los defectos y extravagancias de Don Pegote se utilizan como una lente a través de la cual el dramaturgo examina y cuestiona las convenciones sociales, las actitudes y los valores predominantes en la sociedad de su tiempo. Como en muchas de sus obras, Calderón de la Barca demuestra en Don Pegote su agudo ingenio y su capacidad para entrelazar la comedia y la sátira con la crítica social. Aunque la obra es breve, su impacto es significativo, ya que invita al espectador a reírse de las ridiculizaciones de Don Pegote al tiempo que reflexiona sobre las implicaciones más amplias de estos actos de burla. Don Pegote es una muestra destacada del talento de Calderón de la Barca para combinar el entretenimiento y la reflexión social en una sola obra. Aunque la obra se escribió en el siglo XVII, sus temas y su humor siguen siendo relevantes y atractivos para las audiencias contemporáneas.

Don pegote

Uno de los espacios que albergó buena parte de la dramaturgia de Pedro Calderón de la Barca fue el Coliseo del palacio del Buen Retiro. Fue en este lugar de entretenimiento de los reyes que se representó, en julio de 1661, la comedia mitológica Eco y Narciso. Eco y Narciso es una reelaboración poética de la literatura clásica que no sigue fielmente la historia de los mitos. Calderón transformaba y manipulaba los argumentos y las acciones para ajustarlas a su interés dramático. Calderón dramatiza el mito de Eco y Narciso a partir, sin duda, de la versión de las Metamorfosis (III 339-510) de Ovidio, a la que es bastante fiel, a excepción de una serie de elementos, como el tratamiento que se hace del personaje principal. El Narciso calderoniano no es inicialmente el joven arrogante que dibujara Ovidio, sino un joven ingenuo, dependiente de su madre. También el espacio de la acción no es la Beocia de Ovidio, Calderón en este caso elige la Arcadia de Virgilio. En Eco y Narciso Calderón de la Barca relata la historia de Narciso. En la mitología griega, Narciso es un hermoso joven, hijo del dios del río Cefiso y de la ninfa Liríope. Al nacer, sus padres consultaron al adivino Tiresias que dio el siguiente veredicto: «Vivirá hasta viejo si no se contempla a sí mismo». Todos se enamoraban de Narciso, pero él los rechazaba. Entre las jóvenes prendadas por él estaba la ninfa Eco, quien había disgustado a Hera y había condenada por ésta a repetir las últimas palabras de lo que se le dijera. Eco en consecuencia no podía hablarle a Narciso de su amor.

Eco y Narciso

El alcalde de Zalamea relata la historia de unos soldados españoles en guerra con Portugal que se detienen en Zalamea. El noble capitán don Álvaro de Ataide, al mando de los soldados, es alojado en la casa del labrador rico, Pedro Crespo, a cuya hija seduce y ultraja. Pedro intenta remediar el deshonor y ofrece bienes a don Álvaro para que se case con Isabel. El rechazo de Álvaro ofende el honor de Pedro, quien entonces es elegido alcalde de Zalamea y hace ejecutar a don Álvaro. Al final de la obra el rey don Felipe II, ratifica la decisión de Pedro y lo nombra alcalde perpetuo de Zalamea. El alcalde de Zalamea pertenece al ciclo de comedias históricas y legendarias de Calderón de la Barca, que incluye La niña de Gómez Arias, El sitio de Breda y La hija del aire.

El alcalde de Zalamea

El castillo de Lindabridis es una hilarante comedia de enredo de Calderón de la Barca ambientada en un mundo mitológico. La acción de El castillo de Lindabridis ocurre en dos lugares: en la isla con la montaña y la cueva del Fauno y en Babilonia. Lindabridis es de Tartaria, una «provincia que sobre las dos cervices de África y Asia se sienta». Rosicler, el caballero con quien se casa al final, es de Tracia, una región en el nordeste de Grecia. Floriseo, otro pretendiente, es de Persia. El castillo mismo contiene los jardines colgantes orientales entre las almenas y torres medievales mientras que los desafíos medievales finales ocurren en Babilonia.

El castillo de Lindabridis

El convidado es un entremés del célebre autor barroco español Pedro Calderón de la Barca. La pieza es un relato corto, a menudo cómico, que se representaba durante los intermedios de las obras de teatro más largas de la época. La trama gira en torno a un personaje llamado Matanga, que se encuentra molesto y harto de un soldado descarado y gorrón (un comensal no invitado que come más de la cuenta). Ante esta situación, Matanga decide confabular con su cocinera y su criado para darle una lección al soldado. Este entremés presenta la temática del castigo a los abusadores y aprovechados, una constante en las comedias de Calderón. Los personajes del criado y la cocinera, a través de su astucia y humor, sirven para ridiculizar al soldado gorrón y enseñarle una lección de respeto y humildad. Como muchas de las obras de Calderón de la Barca, El convidado presenta un retrato satírico y crítico de la sociedad española de su época, utilizando el humor y la ironía para abordar temas de comportamiento social y moralidad.

El convidado

El cordero de Isaías pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. Esta obra dramatiza el itinerario espiritual de la reina etíope Candaces y el de su favorito Behomud a raíz de los fenómenos sobrenaturales que acompañaron la muerte de Cristo y el principio de la Ley de Gracia.

El cordero de Isaías

El desafío de Juan Rana es un entremés de Pedro Calderón de la Barca. Esta obra fue escrita especialmente para Cosme Pérez, actor célebre del Siglo de oro. Cosme, tuvo el apodo de Juana Rana. Según algunos «porque una rana no es carne ni pescado» y parece que esta definición aludía a la presunta homosexualidad del actor, quien fue investigado por la Inquisición por ello. Calderón le rindió homenaje a Cosme escribiendo esta obra, en cuyo título incluye su apodo, y además incluyó a Juana Rana en otros entremeses suyos. En este entremés se pone en escena un desafío y un duelo. Juan Rana se enfrenta a un adversario para defender el honor de su mujer.

El desafío de Juan Rana

El diablo mudo pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. Los autos sacramentales son obras religiosas de carácter alegórico representadas sobre todo en España y Portugal durante el Corpus Christi. Este género ocupa un papel muy interesante en la tradición teatral de Occidente, pues coexistió, antes de desaparecer, con una incipiente y cada vez más popular narrativa escénica interesada en los individuos, y en los sucesos mundanos. En algunos autos sacramentales de Calderón el personaje del Demonio idea la trama y plantea la acción dramática, actuando como un demiurgo. Traza planes y estratagemas para confundir al Hombre, pero fracasará siempre. En El diablo mudo se representa al Hombre que ha caído en manos del Demonio. La Naturaleza Humana, su esposa, intenta rescatar al Hombre, pero no lo logra. Entonces ruega el favor del Cielo, el único lugar de donde podrá alcanzar su salvación. En la Tierra, mientras tanto, hacen su aparición el Judaísmo y la Gentilidad. El Judaísmo representa al pueblo judío de la época de Cristo, y la Gentilidad a todos los pueblos no judíos y, especialmente, al imperio romano. Estos dos intentan conocer quién es un Peregrino que se hace llamar Hijo de Dios.

El diablo mudo

El divino cazador es uno de los autos sacramentales de Calderón de la Barca y fue representado en 1642 por la compañía de Antonio de Prado. La presente versión de El divino cazador proviene de un manuscrito autógrafo al que le falta el final. En este auto sacramental Cristo es el cazador divino, enfrentado a la Culpa, que aquí encarna la forma de una fiera. El texto de la presente edición conserva la ortografía de la época.

El divino cazador

El divino Jasón pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Calderón de la Barca. Fragmento de la obra Acto único (Salen Jasón divino y Argos con muchos ojos sembrados por el vestido.) Jasón: Argos, oye. Argos: Soy Amor; vigilante Argos seré, y al mismo cielo daré espanto con mi valor. Fabricaré de mi nombre un peregrino bajel que rompa ese mar, y en él a los mortales asombre. Haré la primera nave; sirena será esta vez; no es medio cuerpo de un pez ni es medio cuerpo de un ave, pero en las ondas y vientos, ya nadando y ya volando será un escollo, triunfando de todos los elementos.

El divino Jasón

El divino Orfeo fue unos de los autos sacramentales de Pedro Calderón de la Barca que tuvo más relevancia en América, fue representado en Perú en 1687. Se trata de una obra alegórica de carácter didáctico que nos presenta a Orfeo transformado, es decir, convertido en Cristo. Calderón revistió teológicamente el mito de acuerdo con el espíritu y las exigencias del siglo XVII y estableció fuertes relaciones alegóricas y simbólicas entre los personajes del mito pagano y el auto cristiano.

El divino Orfeo

El dragoncillo, de Calderón de la Barca, es una versión irónica de La cueva de Salamanca de Miguel de Cervantes. Fragmento de la obra: Acto único (Salen el Gracioso de villano, Teresa, graciosa, y una Criada.) Teresa: Huid, marido, que viene la Justicia con grande gente acá, y trae codicia sin duda de prenderos, cumplido el plazo ya, por los dineros que a Gil Parrado a deber quedasteis, de aquellas negras tierras que comprasteis. Gracioso: ¿Y es verdad, mujer mía, que vienen hacia acá? Teresa: ¡Qué bobería! Pues si verdad no fuera, ¿para qué os lo dijera? Gracioso: ¿Fuera gran maravilla dejarla de decir por no decilla? Teresa: Corred, pues, y meteos en sagrado. Gracioso: Ya correré, mujer, que Dios loado, ligero so. Teresa: Pues ¿cómo tan reacio os estáis?

El dragoncillo

En El escondido y la tapada de Calderón de la Barca don César ama a Lisarda pero rechazado por ésta galantea con Celia. Cierto día tras ver a Lisarda pasear con un hombre sale a su encuentro y lo mata y resulta que éste es el hermano de Celia. Abrumado, huye de Madrid con su criado, Mosquito, pero una carta de Celia le obliga a volver. Ella le ofrece su casa para esconderse. Al mismo tiempo regresa de la guerra don Félix, hermano de Celia, alertado por un amigo de que el honor de su hermana puede estar en entredicho. Por su parte, don Juan, prometido de Lisarda, pide ayuda a don Félix para vengar la muerte del hermano de ésta. Don Félix acepta pero se confunde de hombre, tiene que huir de la justicia y se lleva a Celia consigo a otra casa para esconderse. De esta manera César y Mosquito quedan encerrados en una habitación secreta de la casa. La casa es alquilada ese día por el padre de Lisarda, que lleva a su hija y al prometido a vivir en ella. Al intentar escapar César, allí escondido, y al acudir Celia, tapada, en su ayuda provocan una serie de enredos.

El escondido y la tapada

Los bandos de Verona es junto a Monteses y Castelvines, de Lope de Vega, una de las más célebres versiones de la historia de Romeo y Julieta escrita durante el Siglo de Oro en España. Su autor, Francisco de Rojas Zorrilla, escribió dramas profanos y religiosos: quince autos sacramentales, dos entremeses y cerca de setenta comedias de costumbres y dramas históricos. En esa época, en que abundaban las obras de teatro y tenían una enorme difusión popular, sus dramas destacaban por su intensidad trágica y sus comedias por su ritmo, sus enredos y su lenguaje sencillo.

Los bandos de Verona

El Faetonte de Calderón de la Barca se ocupa de la leyenda de Faetón. Épafo, el hijo de Júpiter, pone en duda el origen de Faetón, que dice ser hijo de Clímene y Apolo. Enfurecido, Faetón exige a su madre la verdad, y ésta le remite al mismo Apolo para que sea Él quien le confirme que es en verdad hijo suyo. Su padre lo recibe con afecto, le confirma su origen, y le promete concederle cualquier deseo.

El Faetonte

El galán fantasma es una obra de teatro del dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca. Pertenece al género de la comedia de capa y espada, que era muy popular en la época del Siglo de Oro español. Este tipo de comedias se caracterizan por sus enredos y equívocos, protagonizados generalmente por personajes de la nobleza menor o emergente, y se ambientan en un contexto urbano contemporáneo. En El galán fantasma, Calderón de la Barca crea un mundo lleno de engaños, persecuciones y relaciones amorosas complicadas. La trama está llena de sorpresas y giros inesperados que mantienen al espectador en constante expectación. Al igual que otras comedias de capa y espada, la obra se centra en la destreza, el honor, la lealtad y los dilemas amorosos de sus personajes. El galán, personaje principal de este tipo de comedias, es en este caso un fantasma, que complica aún más la trama y añade un elemento sobrenatural a la historia. A través de este personaje, Calderón de la Barca explora temas como la apariencia versus la realidad, la vida después de la muerte y el amor incondicional.

El galán fantasma

El gran teatro del mundo es, junto a La vida es sueño y El alcalde de Zalamea, una de las obras más conocidas de Pedro Calderón de la Barca. Fue escrita entre 1630 y 1635. Esta pieza religiosa demuestra la habilidad del autor para trabajar con géneros tan diferentes como el auto sacramental o la comedia filosófica. Se ha traducido y puesto en escena innumerables veces. Esta obra supera los condicionamientos estéticos de la época en que se escribió. Lanza con fuerza un mensaje ya conocido desde los clásicos latinos. La vida es una mera representación en la que hay que cumplir un papel efímero como esta y que tiene solo una relevancia imaginaria. En ella, finalmente, lo único importante es «obrar bien». El gran teatro del mundo de Pedro Calderón de la Barca es crucial para entender el nihilismo Barroco. Este drama litúrgico destaca por su percepción del mundo como algo alucinante y por su particular religiosidad.

El gran teatro del mundo

El indulto general es un auto sacramental escrito por Pedro Calderón de la Barca, uno de los más famosos dramaturgos del Siglo de Oro español. Esta obra, que data de 1680, es una parte integral del repertorio de autos sacramentales de Calderón. Los autos sacramentales son un tipo de obra teatral religiosa que se desarrolló en España durante la Edad Media y la Edad Moderna. Son obras alegóricas que representan algún aspecto de la doctrina sacramental de la Iglesia Católica. Por lo general, se representaban en las festividades del Corpus Christi. En El indulto general, Calderón utiliza la alegoría para explorar la naturaleza y la importancia de los sacramentos. La obra recoge y reformula elementos de autos sacramentales anteriores, uniendo las enseñanzas religiosas con la destreza poética y dramática del autor. El indulto general explora temas de redención y salvación, así como el poder de la gracia divina y los sacramentos para liberar a las personas del pecado. A través de personajes simbólicos y diálogos complejos, Calderón transmite estos temas profundamente religiosos de una manera que es accesible y emocionalmente resonante para los espectadores.

El indulto general

El mágico prodigioso (1637) forma parte de los dramas religiosos (comedias de santos) escritos por Calderón de la Barca, según su interpretación de la Biblia. Esta obra es una de las más representativas del teatro del siglo de oro por el calado filosófico y teológico de los temas tratados, la potencia de la devoción ante lo divino, y su fuerza visual. El mágico prodigioso relata la leyenda de san Cipriano y de santa Justina de Antioquía, mártires cristianos del siglo III y debería ser representado en la celebración del Corpus Christi. Cipriano lucha contra el Demonio en una epopeya del teatro de la ilusión y del desengaño.

El mágico prodigioso

El mayor encanto, amor (también conocido como El mayor hechizo, amor) es una obra dramática de Pedro Calderón de la Barca, uno de los más reconocidos dramaturgos del Siglo de Oro español. En esta obra, Calderón de la Barca retoma y adapta la historia de Ulises (Odiseo) y la bruja Circe, un relato que se encuentra en la "Odisea" de Homero. En la historia original, el héroe griego Ulises llega a la isla de Circe durante sus aventuras de regreso a casa tras la guerra de Troya. Circe, una poderosa hechicera, transforma a la tripulación de Ulises en animales, pero Ulises, con la ayuda del dios Hermes, logra resistir su hechizo y finalmente persuade a Circe para que libere a sus hombres. En la obra de Calderón de la Barca, estos eventos son reelaborados en un drama que mezcla elementos de comedia y tragedia. La figura de Circe se convierte en un símbolo de la lujuria y la tentación, mientras que Ulises representa la razón y el amor verdadero, que finalmente triunfan sobre los encantos y las ilusiones creadas por Circe. A través de El mayor encanto, amor, Calderón de la Barca explora temas como la naturaleza del amor, la lucha entre la razón y la pasión, y la capacidad de resistencia del espíritu humano frente a las adversidades y tentaciones. El uso de mitos clásicos permite a Calderón de la Barca conectar con una tradición literaria muy rica y explorar temas universales a través de personajes y situaciones que eran muy conocidos por su audiencia.

El mayor encanto, amor

El médico de su honra, de Calderón de la Barca, relata la historia de un marido celoso que asesina a su mujer al sospechar que le es infiel. El médico de su honratrata sobre las pasiones humanas, la traición, aderezada con celos, desconfianza, amor y desdén. La obra pertenece al ciclo de comedias inspiradas en el tema de los celos o la venganza en nombre del honor: El pintor de su deshonra, A secreto agravio, secreta venganza, El mayor monstruo, los celos, etc.

El médico de su honra

El nuevo palacio del Retiro pertenece al ciclo de autos sacramentales escritos por Pedro Calderón de la Barca. Los autos sacramentales son obras religiosas de carácter alegórico. Se representaron sobre todo en España y Portugal durante el Corpus Christi. Este género ocupa un papel muy interesante en la tradición teatral de Occidente, pues coexistió, antes de desaparecer, con una incipiente y cada vez más popular narrativa escénica interesada en los individuos, y en los sucesos mundanos. El nuevo palacio del Retiro pone escena los conflictos en la cristiandad y el judaísmo. Con un tono austero y didáctico propio de los autos, Calderón de la Barca construye esta pieza.

El nuevo palacio del Retiro

El Príncipe Constante es una obra escrita por Pedro Calderón de la Barca entre finales de 1628 y principios de 1629. Calderón pone en escena el ataque portugués contra Tánger en 1437. La expedición fue liderada por Enrique el Navegante y sobre todo por su hermano, el infante Fernando, maestre de la orden de Avis. Tras el fracaso de la ofensiva, el infante es hecho cautivo por el rey de Fez. El rey propone liberarle a condición de que le entregue la ciudad de Ceuta, urbe cristiana que el monarca codicia. El infante Fernando rechaza con tenacidad dicho trueque, padeciendo desde entonces y hasta su muerte una esclavitud que se asemeja a un martirio. La obra es un drama histórico o tragedia cristiana sobre el libre albedrío humano, dividido entre los requisitos éticos y la doctrina de la salvación. El personaje principal se condena conscientemente a la esclavitud, a la privación de privilegios y, finalmente, a la muerte, en nombre de la fe cristiana. El príncipe constante es una de las obras más paradigmáticas del teatro de Calderón de la Barca. Un claro referente del complejo mundo ideológico del dramaturgo. Estamos ante una de las grandes obras maestras de Calderón de la Barca. Una obra que ha recogido grandes elogios de diversas tradiciones teatrales europeas como la alemana, la polaca o la rusa. Una obra que llevó a Goethe a decir en 1804, en una carta a Schiller, «que si toda la poesía del mundo desapareciera, sería posible reconstruirla sobre la base de El príncipe constante».

El príncipe constante

El Purgatorio de san Patricio es un auto sacramental de Calderón de la Barca relativo a la leyenda del santo irlandés san Patricio. Según la leyenda San Patricio pidió a Dios una prueba de la existencia del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso. Y Cristo le mostró la entrada a una cueva en donde se podían observar los sufrimientos de los pecadores y la dicha de los justos en su paso al más allá. Allí el santo construyó un monasterio y cerró la puerta de acceso a la cueva, con la orden de permitir la entrada solo quienes lo desearan con fervor, tras someterlos a una serie de pruebas para tratar de disuadirlos.

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