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Il capolavoro di Federigo Tozzi finalmente disponibile in ebook. Romanzo di matrice autobiografica, Con gli occhi chiusi racconta le vicende di un gruppo di persone nella Toscana del Chianti, quando ancora la zona non era così famosa, e in particolare di Pietro e Ghisola, due giovani che si cercano, si desiderano, ma fanno fatica a trovare un destino comune. Tutto il romanzo, infatti, è animato da una forte carica pessimistica e da un sentimento di sfiducia circa la possibilità di instaurare una comunicazione con gli altri. Le stesse vicende del protagonista tradiscono la sua incapacità a realizzare i propri obiettivi e a vivere in modo autentico e consapevole il rapporto d'amore. L'umanità umile e tormentata che è al centro del romanzo fatica a non sottostare alla legge della violenza e dell'inganno. Come ebbe a dire Giacomo Debenedetti, la «vicenda di questo romanzo è emblematica di un disagio esistenziale che è al centro della grande narrativa e in genere della cultura novecentesca. In un mondo ove la società industriale fa sempre più affievolire i valori spirituali, il disinteresse, l'amore, la lealtà alla natura, la fedeltà all'ideale, l'uomo, nel ritratto di Tozzi, si sente estraneo, assediato dall'incomprensione, escluso da un vero dialogo umano; la sua sete di affetto si trasforma in disperata solitudine; egli è costretto, per attutire le ferite della realtà ostile, a vivere "con gli occhi chiusi"».

Maree

Con gli occhi chiusi

Cletto Arrighi (pseudonimo per anagramma di Carlo Righetti) nasce a Milano nel 1828 (nel 1830 secondo altre fonti) e vi muore nel 1906. Esercita la professione di giornalista. Oltre al suo romanzo più conosciuto, La scapiglliatura e il 6 febbraio 1862, che racconta un fatto storico, ovvero la fallita insurrezione mazziniana di Milano del 1853 e da cui ha origine il nome del movimento scapigliato, pubblica romanzi come Nanà a Milano (1880) e La canaglia felice (1885) in cui i temi tipici della scapigliatura si intrecciano al crudo realismo, mentre le trame rivelano l'intenzione di sviluppare una denuncia sociale e di incitare ad un ribellismo di matrice anarchica. Arrighi con il termine “scapigliatura” definisce un gruppo di giovani patrioti anticonformisti e amanti dell’arte, «pronti al bene quanto al male». Arrighi e gli scapigliati assumono posizioni molto critiche nei confronti della letteratura e della cultura borghese italiana del loro tempo, ammirando invece gli autori stranieri come Charles Baudelaire, Gautier ecc

La scapigliatura e il 6 di febbrajo

«Amore e ginnastica è un libro di notevole capacità di definizione ambientale e psicologica» dice il professor Giovanni Tesio, critico letterario e docente di letteratura italiana all'Università del Piemonte Orientale. «Un racconto divertente e godibilissimo, scelto non a caso da Calvino tra i cento libri migliori di fine Ottocento e inizio Novecento». I primi, rivoluzionari, metodi d'insegnamento della ginnastica, in De Amicis vengono trasformati nel credo quasi missionario della maestra Pedani, prosperosa insegnante di ginnastica. Di lei s'innamora l'ex seminarista Celzani, e la storia s'intreccia e si sviluppa sui due piani: amore e ginnastica. De Amicis sa raccontare con leggerezza la difficoltà che ebbe lo sport nell'affrontare le barriere e i pregiudizi di una certa classe sociale, le forti resistenze dei conservatori, compresi i dogmi maschilisti che volevano le donne lontane da qualunque pratica atletica, per ragioni di decenza e per altre. L'arrivo della signorina Pedani («Già, madre natura l'ha fabbricata per quello: le ha dato le proporzioni schelettoniche più perfette che io abbia mai viste, una cassa toracica che è una meraviglia» dice il maestro Fassi) porta lo scompiglio nell'equilibrio emotivo e nel buonsenso borghese del corpo docente. Una donna forte quasi come un uomo, bella e pressoché irraggiungibile. Magari anche intelligente? Può esserlo, chi usa il corpo per esprimere se stesso? «Non dico per scrivere: ciascuno ha le sue facoltà. E poi, nella ginnastica, come scienza, il cervello di una donna non sfonda, si sa. Ma come esecutrice, non ce n'è un' altra» spiega il feroce Fassi, collega della Pedani. La ginnastica fu ideologia per pionieri (si pensi alla battaglia per introdurla nella scuola italiana), ma è nell'altra metà del titolo, l'amore, il vero trionfo fisico dei desideri. C'è più corpo qui che in palestra. Ed è portentoso il contrasto tra un mondo che cambia, la cosiddetta società, e le passioni segrete degli individui, con qualcosa di morboso e non esente da feticismo e perversioni, ma anche in questo sta il fascino - modernissimo - della storia narrata da De Amicis.

Amore e ginnastica

I Racconti di Italo Svevo costituiscono un importante momento della produzione artistica dello scrittore. Pubblicati postumi, anche se prodotti lungo tutto l'arco della sua vita, i Racconti ci aprono a nuove e importanti riflessioni sull'opera narrativa di Svevo. Alcuni racconti sono pensati come complementari ai romanzi pubblicati; un altro - Le confessioni di un vegliardo - doveva essere il suo quarto romanzo; alcuni sono rimasti incompiuti dando il senso di un continuo procedere della scrittura narrativa. Anche in queste opere ritroviamo la caratteristica centrale della poetica di Svevo: un contrasto tra ciò che è razionale e ciò che è ideale. La letteratura è concepita come recupero e salvaguardia della vita e l'esistenza vissuta viene sottratta al flusso oggettivo del tempo. Soltanto narrando l'esistenza sarà possibile evitare la perdita dei momenti importanti della vita e rivivere nella parola letteraria l'esperienza vitale del passato, i desideri e le pulsioni che nella realtà sono spesso repressi e soffocati. I Racconti contengono una grande attualità, ci fanno comprendere meglio la poetica dell'autore, ci regalano piccoli gioielli forse un po' troppo velocemente dimenticati.

Racconti

Il mio Carso è un diario particolare dove le pagine ci lasciano entrare nello Slataper bambino che per raggiungere un allettante frutto si allunga sul ramo come un verme, sfidando le leggi della fisica e della dinamica. Il giovane è trafitto dal suicidio della sua piu' cara amica e vaga alla disperata ricerca di una risposta ai suoi "Perche'?", cercando un colpevole: i vent'anni esigono risposta. Si comprende la spasmodica ricerca di identita', italiano imprigionato in quello che sente come il pesante giogo austriaco, straniero in terra natia. La ricerca di un'identita' che vada al di la' della sua sanguigna appartenenza al Carso. Per coloro che qui sono nati, che hanno ben piantate le loro radici nella terra rossa del Carso, sono brandelli di memoria collettiva, metabolizzata tal punto da essere parte integrante del DNA. Nelle pagine di questo diario si respira tormento, sofferenza e struggimento, ma anche un'incredibile energia, forza, esuberanza, entusiasmo, come se la giovinezza non possa conoscere confini temporali, come se gli ideali nati da un cuore che pulsa al ritmo della vita fossero immutabili nel tempo.

Il mio Carso

Quando, nel 1908, comincia a scrivere il suo nuovo, e ultimo, romanzo Leila, pubblicato poi nel 1910, Fogazzaro era ormai distante dalle posizioni dei modernisti ma con il desiderio ancora vivo di trovare le radici della modernità, cercate ora attraverso i motivi più genuini della sua ispirazione artistica: non è più una voce in favore del modernismo quella del Fogazzaro, che ancora si leva con il romanzo ‘Leila’, l’opera segna un ritorno dello scrittore vicentino sui motivi più genuini della sua ispirazione artistica, un ripiegamento sui sentimenti più semplici e vivi; rappresenta, sul piano religioso, un distacco dal modernismo con i suoi problemi e le sue polemiche. Leila è innanzitutto un atto di liberazione del Fogazzaro dal mondo di polemiche teologiche e di condanne ecclesiastiche, per ritrovare se stesso come artista. Creatura d’istinti e di passioni piuttosto che di ragionamento, Lelia è la donna-natura, la donna-istinto, linfa vitale, forma corporea che vuole essere amata per se stessa e non attraverso le idee e l’intelletto, personaggio che si caratterizza per una sorta di primitività psicologica e per quel sentimento primitivo e spontaneo dell’amore che dà rilievo soprattutto agli elementi istintivi. Nel romanzo, le vicende tra Leila e Massimo Alberti vanno di pari passo alle aspettative nitrite da Fogazzaro su come dovessero essere I tempi a venire: la svolta che porterà Leila, come Massimo Alberti, ad uscire dalla sua “torre d’orgoglio” per dare libero corso a quel desiderio di vita che si esprime anche fisicamente nella luminosità degli occhi (“la cameriera era sbalordita della nuova luce negli occhi della signorina”); la rinascita di Lelia diventa il punto di arrivo di un cammino che va “dalla cupa e sterile fedeltà (al fidanzato morto) al tentato suicidio e infine alla decisione di raggiungere Alberti in Valsolda”, incontrandosi perciò con l’analoga rinascita di Massimo Alberti e diventando il preludio alla realizzazione di quella “unione idealmente umana, idealmente cristiana, idealmente bella”, già auspicata da don Aurelio per i due protagonisti. E Fogazzaro affida a Leila e al suo percorso interior, quella che ritiene la via verso la modernità e che, senza rinnegare la tradizione né le idee di rinnovamento, ma prendendo le distanze dalla dimensione intellettuale del modernismo, esprime i segni della riconciliazione delle due dimensioni, ma anche dell’uomo con se stesso e con gli altri attraverso la forza dell’amore.

Leila

Letteratura "geniale". Leonardo da Vinci è un genio riconosciuto: la sua originalità ha saputo aprirsi ai campi più diversi, ottenendo sempre dei risultati eccezionali. Non ultima, in un ipotetico elenco di genialità, si colloca la sua produzione letteraria e le Favole sono da considerarsi il maggior sforzo stilistico dell’autore. I frammenti leonardiani sono l’elaborazione dei modelli favolistici classici: l’enciclopedia pliniana, la cultura degli antichi bestiari, ecc. I mutamenti che Leonardo introduce ogni volta sulla matrice di riferimento sono in linea con la tradizione favolistica, poiché riguardano principalmente il signiﬁcato morale. Lo scrittore si appropria della fonte, la completa con l’osservazione dei fenomeni naturali e propone un insegnamento etico personale. La complessa strutturazione del dialogo in Leonardo non ha precedenti nella storia del genere, nemmeno in Esopo. I dialoghi in Leonardo sono solitamente lunghi e connotati da tratti di espressività introducendo caratteri precisi, ottenendo una più accentuata umanizzazione dei personaggi e deﬁnizione particolareggiata della storia. Molte sono le manifestazioni di pianto disperato e paziente preghiera, riso sfrenato e rabbia che qualiﬁcano i dialoghi delle Favole leonardiane. L’espressività dialogica in Leonardo non serve semplicemente a esporre una morale, ma sorge dall’osservazione e dallo studio della natura. I soggetti delle Favole di Leonardo sono ben caratterizzati, in evoluzione all’interno della storia, utilizzando categorie inconsuete per il genere: piante, elementi naturali, oggetti di uso comune; l’uomo, gli uccelli, gli insetti, quadrupedi e mammiferi, creando un’allegoria naturale senza fine. Allo scrittore, infatti, non interessa una coerenza allegorica, ma la rappresentazione di sentimenti e atteggiamenti dell’essere umano. Così tutti gli elementi mostrano, in forme diverse, l’ardore della conoscenza che spesso arriva a sﬁorare la presunzione ma, se intuiscono le ragioni alla base del giusto operare, sono capaci volgersi al bene e sono ogni volta premiati da Natura. Infatti, il rapporto simmetrico tra uomo e natura è il tema sotteso a tutte le Favole. Attraverso la forma favolistica, Leonardo rivoluziona la tradizione letteraria dell’epoca: abbandona i preziosismi lessicali, i personaggi ﬁssi, la costruzione intellettuale e la versatilità dei temi umanistici, preferendo la semplicità del volgare, personaggi in evoluzione e una formulazione in divenire del racconto, in cui ogni elemento è tutto teso alla rappresentazione esatta delle dinamiche naturali. A introdurre il testo, fornendo chiavi interpretative originali e innovative, un saggio di una giovane studiosa italiana - Giuditta Cernigliaro - Ph.D. Fellow alla Rutgers University.

Favole

Padre Brown in forma smagliante Padre Brown è il personaggio creato dalla fantasia di Chesterton per spargere un pò di sano umorismo. Dotato di una mente pronta e penetrante e uno spirito meravigliosamente intuitivo che gli dà modo di gareggiare in astuzia con i più abili poliziotti e delinquenti, egli ha tuttavia l’anima d’un poeta e il cuore di un fanciullo. Padre Brown spunta quasi imprevedibilmente nell’angolo più remoto e nel momento più impensato, pronto a risolvere qualunque enigma con arguzia e ironia, preoccupato non tanto di svelare i misteri più tenebrosi e complicati della criminalità moderna, o di assicurare alla giustizia i colpevoli, quanto di salvare delle anime e ricondurle sul retto cammino, come fa con Flambeau, il ladro pentito diventato suo assistente. Il suo scopo, infatti, è di arrivare a conoscere il senso anche delle azioni più assurde compiute dagli uomini, per condurli a un cammino verso la conoscenza che ognuno deve compiere da sé, per se stesso e per la propria salvezza. La saggezza di padre Brown è la seconda raccolta dedicata alle avventure “spiritual-investigative” dell’acuto sacerdote che, con le sue ironiche e talvolta assurde confutazioni, affronta il crimine e la morte con socratica saggezza. I teatri internazionali in cui si muove questa volta l’acuto pretino dell’Essex, accompagnato sempre dal fedelissimo Hercule Flambeau, sono l’Italia, l’Inghilterra, gli Stati Uniti, la Germania e la Francia. Nella Saggezza il sottile filo che percorre i 12 racconti è quello del ‘trasformismo’, con personaggi che non sono mai quello che sembrano, con situazioni che si evolvono continuamente, con trucchi, suggestioni e giochi di specchi, in una specie di ballo in maschera dove tutto è il contrario di tutto e dove la verità non sempre è quella che si vorrebbe.

La saggezza di Padre Brown

Alcune tra le più belle fiabe mai scritte sono raccolte in questo ebook e sono opera di Charles Perrault. Il gatto con gli stivali, Cenerentola, Cappuccetto rosso, Pollicino, sono solo alcune delle fiabe contenute nel testo. Ogni fiaba è pubblicata anche con la “morale” che l’autore voleva trasmettere con la fiaba, e sono commenti davvero molto interessanti. E’ un testo che non smetterà di incuriosire bambini, giovani e adulti, perché le storie narrate, sono fiabe certamente, ma raccontano dei nostri sogni, paure e desideri. Sono lo specchio con il quale possiamo vedere il lato migliore, o peggiore, di noi stessi.

I racconti delle fate

L'arte del raccontare l'uomo e l'umanità (ed. aggiornata 2023) Bartleby è il nome di un grigio, "invisibile" impiegato di Wall Street che, senza fornire spiegazione alcuna, man mano rinuncia al suo lavoro di copista e rimane immobile in silenzio a fissare un muro, imperturbabile a ogni tentativo di persuasione, mite e rispettoso ma graniticamente risoluto. In questo straordinario racconto (fra i più belli dell'intera letteratura americana) Melville dimostra da grande maestro di saper trattare con sottile humour e felice leggerezza anche temi angosciosi e ossessionanti come la follia, la predestinazione, l'incomunicabilità, l'alienazione. «Un libro triste e veritiero»: come ebbe a dire Jorge Luis Borges di Bartleby lo scrivano.

Bartleby lo scrivano

Umorismo "d'annata", ma molto contemporaneo Pubblicandolo per la prima volta nel 1914, il celebre scrittore britannico G.K. Chesterton ha consegnato ai suoi lettori un romanzo curioso intitolato L'osteria volante, immaginando, alla vigilia della Prima guerra mondiale, che l'Impero ottomano conquistasse la Gran Bretagna e imponesse la Shari'a, la legge islamica. Anche in questo lavoro, Chesterton non rinuncia ad esprimere il suo pensiero, ironizzando con il suo stile epigrammatico su movimenti e teorie artistici, sociali e politici, utilizzando lo scenario inverosimile del romanzo come un mezzo per ridicolizzare il progressismo. Chesterton racconta di una guerra in cui "il più grande dei guerrieri turchi, il terribile Oman Pasha, egualmente famoso per il suo coraggio in guerra come per la sua crudeltà in pace", consegue una famosa vittoria sulle forze britanniche, che porta all'occupazione dell'Inghilterra, al controllo della polizia da parte dei turchi e a una crescente influenza di "un eminente mistico turco", Misysra Ammon, che si fa paladino dei costumi islamici come l'astensione dal consumo di carne di maiale, la proibizione di immagini rappresentative, e altro ancora. Ma il costume islamico più importante, e quello attorno a cui ruota L'osteria volante, è l'ordine emanato da Oman Pascià di distruggere i vigneti e di mettere al bando le bevande alcoliche. Lord Philip Ivywood, un intellettuale aristocratico, sostenitore di Ammon, approva un divieto di consumo delle bevande alcoliche con qualche rara eccezione. Un intrepido marinaio irlandese e un locandiere inglese se ne vanno in giro per il paese portando con loro l'insegna del pub “Old Ship” e le loro gesta danno il via ad una serie di eventi rocamboleschi e drammatici. Lo smascheramento dell'ipocrisia degli aristocratici, che negano il consumo di alcolici al volgo ma ne assumono tramite i contatti con il direttore corrotto di una catena di farmacie, infatti, dà il via a un'insurrezione popolare che si conclude con una battaglia tra i rivoltosi inglesi e un contingente di soldati turchi, guidati tra gli altri dallo stesso Ivywood. Non sveleremo il finale della loro eroica insurrezione, lasciando ai lettori il gusto di leggere fino in fondo un romanzo, premonitore(?), di grande interesse e godibilità.

L'osteria volante

Tecniche futuriste Per spiegare all'aspirante futurista "come si seducono le donne", Marinetti ricorre molto spesso a episodi della sua vita, alimentando l'immagine di un tombeur de femmes fulmineo e irresistibile. In questo senso il libro rappresenta il passaggio del futurismo da movimento artistico e letterario a movimento di costume: il fondatore non si rivolge più soltanto agli "uomini di genio", artisti o scrittori, ma a tutti gli aspiranti seduttori; se i manifesti sono prontuari in parte concepiti per dimostrare che chiunque può diventare un letterato futurista con un po' di coraggio e qualche sforzo, lo scopo del testo è dimostrare che tutti possono diventare futuristi, se non in letteratura, almeno in amore, e in guerra, dal momento che le doti dell'amatore futurista coincidono con quelle del buon soldato: coraggio, rapidità, intelligenza strategica, rifiuto delle "complicazioni…". Un testo, per l'epoca di edizione - 1917, scabroso e temerario, ma come in fondo era il carattere di Marinetti, sempre pronto alla provocazione e alla polemica.

Come si seducono le donne

Un autore particolare e stravagante come Carlo Dossi ci consegna un'opera che lui stesso definì un "romanzo giuridico", nel quale espone le sue tesi sulla giustizia e accese un dibattito molto sostenuto sulla carcerazione. L'autore ha uno stile molto personale, stravagante, tanto che nella sua narrativa spesso sconvolge la struttura principale del racconto innestando divagazioni ed episodi secondari; nelle note critiche spesso usa immagini bizzarre e sarcastiche per esprimere giudizi. Dotato di grande capacità sintattica e lessicale, la lettura dei suoi testi è molto godibile, lasciando al lettore il gusto del calembour allegorico, umoristico e satirico dando la possibilità di entrare in contatto con le sperimentazioni letterarie che la scapigliatura milanese stava introducendo nella letterature italiana.

La Colonia Felice Utopia Lirica

"Giobbe" è una messa sotto accusa della modernità, un mondo al quale lo scrittore austriaco contrappone quello millenario della tradizione ebraica. Il tema di questo romanzo (del 1930) è anche il motivo centrale della narrativa di Roth: la tragica vicenda degli ebrei dell' Europa centrale costretti ad emigrare in una «nuova diaspora» verso gli Stati Uniti, con dispersione della loro cultura. Mendel Singer, l' ebreo del romanzo, è un maestro talmudico la cui vita è scandita da una ripetitiva quotidianità che Roth evoca attraverso un linguaggio ricco di iterazioni e di anafore. La ripetizione assicura stabilità alla vita di Mendel, al romanzo e all' universo ebraico. Nella sua casa della Volinia russa, dove il sabbat si svolge secondo tradizione e dove la vita è ritmata dalle preghiere, la magia viene spezzata quando un medico scopre che Menuchim, l'ultimo figlio, è minorato. Da quel momento l'universo di Mendel si frantuma. E, come il biblico Giobbe, Mendel maledice il Signore: «È più benigno di Dio il diavolo». La riscoperta della benignità di Dio avviene attraverso il figlio che aveva abbandonato. Menuchim, infatti, superata la malattia, è diventato un compositore affermato e va ad esibirsi a New York. Al suo successo è affidato il riscatto presente in Giobbe. E questo riscatto è ciò che consente al vecchio Mendel, infine, di «riposarsi dal peso della felicità e dalla grandezza dei miracoli».

Giobbe

Questo romanzo storico, anche se non tra i più conosciuti di Dickens, è diventato negli anni il testo più venduto al mondo, segno dell’impegno sociale descritto dalle vicende storiche di due famiglie, Manette ed Evrémonde, separate dal ceto di provenienza e riunite dal destino nel vortice sanguinario della Rivoluzione Francese, che divennero familiari non solo per i lettori della metà dell'Ottocento – per i quali leggere del “Regime del Terrore” non doveva essere poi tanto diverso da quanto non lo sia per noi leggere un racconto della seconda Guerra Mondiale – ma per milioni di lettori ancora oggi. Il romanzo, infatti, è ambientato a Parigi e Londra durante la Rivoluzione francese e negli anni del Regime del Terrore. In esso vengono rappresentati la sottomissione del proletariato francese all’oppressione dell’aristocrazia negli anni precedenti la rivoluzione, e la successiva brutalità dei rivoluzionari nei primi anni della rivoluzione. Segue le vite di diversi protagonisti attraverso questi eventi, in particolare Charles Darnay, un ex-aristocratico francese che diviene vittima di accuse indiscriminate durante la rivoluzione, e Sydney Carton, un avvocato inglese che cerca di redimere la propria vita per amore della moglie di Darnay, Lucie Manette, il cui padre venne ingiustamente imprigionato nella Bastiglia. Dickens condanna l'ignobiltà di una casta che aveva perso, in Francia, il diritto a rivendicare il ruolo di guida morale e civile della nazione e insieme anche la crudeltà scaturita dall'opposizione a quei soprusi. Le due città evocano, nel parallelismo - anche se con esiti diversi - delle vicende giudiziarie di Darnay/Evremonde a Londra e Parigi, una sorta di dualismo tra l'equilibrio del sistema anglosassone e l'estremismo dei Lumi francesi. Il racconto non ha un protagonista principale; emergono, ed è forse uno dei primi casi in letteratura, le folle come protagoniste: la massa umana, che assalta la Bastiglia, prigione simbolo dell'oppressione feudale. Dickens lancia attraverso il tempo passato, un monito al tempo presente in cui è ancora viva la minaccia della ripetizione dell’antico. Si deve, infatti, tener conto che nel 1859 (anno di pubblicazione del romanzo) è ancora ben vivo il ricordo dei tumulti e delle agitazioni dovute all’approvazione della Corn Law e quello dei moti rivoluzionari a seguito del movimento cartista, che con la sua richiesta di una radicale riforma elettorale, rievocava i fantasmi del Terrore francese. Per Dickens la rivoluzione è una malattia, è febbre e delirio di autodistruzione il cui contagio si propaga a velocità spaventosa. La società è continuamente minacciata a causa degli squilibri della distribuzione della ricchezza e la folla sottoposta a continui soprusi diventa facilmente crudele e incontrollabile: a quel tempo la folla era un mostro molto temuto e che non si fermava davanti a nulla. In queste note si comprende anche la grande attualità del romanzo di Dickens e le motivazioni ad una lettura odierna.

Racconto di due città

«Siamo nati.... per l’intimo accordo con il mistero» Il Passaggio è il secondo romanzo scritto da Sibilla Aleramo, apparso dopo parecchi anni da Una donna, ma non fu un successo minore, ricevendo critiche entusiaste. Il merito peculiare di questa opera – nella quale l’autrice riflette sulla propria vita per sviscerare stati d'animo e sentimenti, per confessarsi e testimoniare, se mai ce ne fosse bisogno, la centralità della categoria dell'amore - è quello di difendere verità che appassionano, senza mai mancare alle esigenze di un’arte pura. C’è in essa una nobiltà rara di espressione, una audacia generosa di confessione straziante dettata dalla più fremente delle sensibilità, e che pure non vacilla mai e tende diritta ad una sua mèta d’interesse umano, sprezzante qualsiasi interesse personale. Il romanzo ebbe numerosi estimatori tra cui Renato Simoni che scrisse: “Pagine non facili: nè a scrivere nè a leggere. Bisogna scoprirne il filo delicato; e allora dopo avere gustata quella energia verbale che fa lucide e ferme le parole, dopo aver sentito che quella energia tiene salda la bella prosa, come una pietra augustamente incisa di vaste epigrafi, sopra un impeto tumultuoso che vuole rovesciarla, scopriamo l’originalità del libro, ch’è riassunta da queste parole: «Siamo nati.... per l’intimo accordo con il mistero»”. Luigi Pirandello si espresse in questo modo: “Pochi romanzi moderni io ho letti che racchiudano come questo un dramma così grave e profondo nella sua semplicità e lo rappresentino con pari arte, in una forma così nobile e schietta, con tanta misura e tanta potenza.” Clemente Rebora nota che Il passaggio è: “Opera di profonda bontà, di più fonda umanità: opera che, come la vita, si potrà bestemmiare ma non dimenticare, Il passaggio, tutto pervaso da un senso di schianto e d’attesa, così annunziatore, così immolatore, in contrasto e in armonia coi tempi: quasi un Apocalissi dell’amore, e anche un lungo grido di richiamo, da Saffo a Santa Caterina a Chitra....” L'AUTRICE: Pseudonimo di Rina Faccio, Sibilla Aleramo nasce ad Alessandria il 14 agosto 1876. Presto si stabilisce con la famiglia a Civitanova Marche dove, con matrimonio riparatore, sposa a quindici anni un giovane del luogo. Nel 1901 abbandona marito e figli iniziando, come lei stessa amava dire, la sua “seconda vita”. Conclusa una relazione sentimentale con il poeta Damiani, si lega a G.Cena ma, dopo la crisi con quest’ultimo, inizia una vita errabonda che la avvicina a Milano e al movimento Futurista, a Parigi e ai poeti Apollinaire e Verhaeren, infine a Roma e a tutto l’ambiente intellettuale ed artistico di quegli anni (qui conosce Grazia Deledda). Durante la prima guerra mondiale incontra Dino Campana e con lui inizia una relazione complessa e tormentata. Nel 1936 conosce il giovane Matacotta, a cui resta legata per 10 anni e di questo periodo — la sua “quarta esistenza” — lascia testimonianza nel diario che l’accompagnerà fino alla morte. Al termine della seconda guerra mondiale si iscrive al P.C.I. e si impegna intensamente in campo politico e sociale. Collabora, tra l’altro, all’«Unità» e alla rivista «Noi donne». Muore a Roma nel 1960, dopo una lunga malattia.

Il passaggio

La rinascita passa dalla capacità di mmaginare futuri migliori Il Discorso sopra lo stato presente dei costumi degl’italiani è un pamphlet, o meglio, una sciabolata all’universo della mente italiana, alla moralità spicciola e cinica dei figli degli antichi romani, alla loro società che non può essere civile finché non proverà a maturare, a diventare autonoma e a staccare le labbra dal seno ormai avvizzito della madre. Se Leopardi dice questo è perché crede che gli antichi siano di gran lunga migliori dei moderni, nonché più felici. Oggi i sociologi sostengono che la nostra generazione sia la prima a trovarsi in una situazione peggiore rispetto a quella precedente, e il dato evidente è la profonda tristezza che ci pervade e che si sostanzia con la crisi di valori più che con quella economica. E abbiamo perso molte capacità e manualità dei nostri predecessori (di sicuro sappiamo ordinare dell’ottimo cibo nazionale ma difficilmente lo sappiamo cucinare con altrettanta sicurezza). Ciò è avvenuto perché la civiltà, col suo tentativo continuo e costante di migliorarsi, ha preferito il progresso alla morale, che nel frattempo si è sempre più sciolta come neve al sole, perdendo la capacità di immaginare.

Discorso sopra lo stato presente dei costumi degl’Italiani

Autentico capolavoro Ci sono libri che portano con sé, anche a distanza di anni, sapori, odori e suoni di una terra. Altri riescono a testimoniare anche le psicologie complesse degli abitanti di quella terra, e in questo sfibrano il limite spaziotemporale per rasentare l'atemporalità del mito. Così è toccato a Elias Portolu, uno dei romanzi-capolavoro che ha consacrato Grazia Deledda al grande pubblico. Si parte da una storia, di per sé, esile: il protagonista che dà il titolo al romanzo rientra al suo paese nel nuorese, dopo un periodo in prigione; qui, la calma tanto agognata è sovvertita bruscamente dalla conoscenza di Maddalena, promessa sposa del fratello Pietro. Nonostante le tante ritrosie e i consigli dei saggi zio Martinu e del prete Porcheddu, tra Elias e Maddalena scoppia l'amore, vissuto in pagine di travolgente passione. I sensi di colpa e il timore di provocare lo scandalo portano Elias a sacrificare il proprio futuro con Maddalena e a pensare al sacerdozio, unica via di fuga a un sentimento sì forte quanto insostenibile. La notizia della gravidanza di Maddalena non basta a fermare Elias, per quanto l'uomo sia roso dai dubbi. Varie complicazioni conducono poi a un finale amaro, disperato e senza scampo per il protagonista. L’autrice conduce la storia attraverso l’apparenza di dicotomie evidenti e nette, ma è ad una lettura attenta che si nota la profondità dei personaggi che “parlano” con il lettore all'interno di monologhi interiori e dei loro pensieri, offerti continuamente in presa-diretta. Elias, il cui ritorno è salutato con fierezza dalla famiglia, porta con l'esperienza della prigione, una tristezza che i familiari difficilmente sanno interpretare. La sua commozione per la tanca e per l'ovile, per le pianure e per la sua Sardegna, è accantonata dalla passione bruciante e immediata per Maddalena. Per i grigioscuri e per l'alterità del mondo narrato, Elias Portolu è un classico novecentesco da riscoprire in questi anni. Al profumo di erbe selvatiche sarde, fa da contraltare Elias, personaggio scisso e “spezzato” che sa tanto di contemporaneità.

Elias Portolu

Dall'educazione il riscatto di un'esistenza difficile Ciske è un ragazzino disadattato che vive in condizioni estreme: una madre che lo umilia sempre, un padre lontano, un ambiente sociale problematico. In questa disperazione sociale, l’unico ambiente nel quale Ciske riesce ad esprimersi è la scuola, grazie all’aiuto di un insegnante che capisce a fondo l’animo del ragazzo. A seguito di una tragedia, Ciske è rinchiuso in carcere per scontare una pena. Il suo riscatto avverrà grazie al sostegno della nuova moglie del padre, ad una ritrovata solidarietà da parte di insegnanti e compagni di scuola. Una storia che sottolinea come, anche di fronte a situazioni gravi e di difficile approccio, possa sempre esistere un’occasione di riscatto, in grado di risollevare anche le persone più duramente colpite. Un romanzo che invita alla solidarietà, alla tollerenza, all’amore reciproco.

CISKE, muso di topo

"Diario di un curato di campagna" è, fra le opere di B., forse la più celebre, e quella nella quale l'autore ha raggiunto il miglior equilibrio fra immediatezza comunicativa e equilibrio formale. « L'uomo che ha accettato una volta per sempre la terribile presenza del divino nella sua povera vita », cosi Bernanos definisce il protagonista del suo Diario di un curato di campagna. Il giovane prete di Ambricourt, questa disarmata figura di prete cattolico che si consuma fino al limite della tentazione nell'impari lotta con il male impersonato dalla tragica opacità del mondo borghese di uno sperduto villaggio della Fiandra. Egli non deve salvare soltanto se stesso ma anche le anime dei suoi parrocchiani che gli sono ostili, o lo accettano passivamente trascinandolo nelle loro ipocrisie. Giunge fin quasi al punto di abiurare, ma proprio sull'orlo della perdizione la coscienza della morte vicina lo salva. « Un corpo a corpo fra il soprannaturale e il mondo; ma il mondo non è mai stato sentito da Bernanos con una comprensione più potente e più tenera », cosi scrisse André Rousseaux del Diario di un curato di campagna, un romanzo che ha in sé fin dalle prime pagine una carica drammatica che si va facendo via via sempre più febbrile e compressa ed esplode poi, ad un tratto, in tutta la sua pienezza dinnanzi all'illuminazione.

Diario di un curato di campagna

Un grido di dolore universale Ivan Cankar è sicuramente uno dei principali scrittori sloveni e, pure se ha rivolto la sua scrittura anche ad altri temi, ha sempre avuto un interesse particolare nel raccontare il destino di diseredati ed emarginati, il confitto di intellettuali o artisti anticonformisti e idealisti con una società gretta, presentando una scrittura intelligentemente calibrata di elementi realistici e simbolici. Rispetto a questo testo, è l’autore stesso che ce lo rivela, è interessante sottolineare l’origine ‘politica’ del testo: Cankar voleva scrivere solo un libello di propaganda, ma da ciò sarebbe poi scaturita la sua migliore novella, che narra del servo Jernej, che ha lavorato quarant’anni nella fattoria dei Sitar, identificandosi totalmente con essa. Alla morte del vecchio padrone viene mandato via in malo modo dal figlio del defunto. Inizia così il suo peregrinare, nel corso del quale racconta la propria storia a diverse persone e istanze, sempre attendendo che si riconosca il suo diritto: di chi è il podere, di chi l’ha ereditato senza aver fatto nulla o di chi l’ha lavorato per quarant’anni? Nessuno dà ragione al servo, che nella sua sete di giustizia giunge fino a Vienna, pensando ingenuamente di poter esporre il suo caso allo stesso imperatore. Neanche il parroco gli dà la risposta sperata, portandolo infine a dubitare anche della giustizia divina e della stessa esistenza di Dio. Il mite Jernej infine, ormai trasformato interiormente, torna alla fattoria e Cankar conclude il racconto con un finale straordinario. Anche se la storia del servo ribelle ha suscitato interesse in Italia soprattutto in momenti politicamente ‘nevralgici’ del Paese, il suo fascino senza tempo risiede certamente sia nel suo grido di dolore universale, sia nella peculiarità dello stile, ricco di similitudini e personificazioni, di allegorie e parabole ‘bibliche’, che insieme costituiscono forse l’esempio più brillante della prosa ritmica cankariana. L’autore: (Vrhnika 1876 - Lubiana 1918) scrittore sloveno. Patì il carcere (1913) e l’internamento (1914) per la sua propaganda antiaustriaca. Dopo che la sua raccolta poetica Erotica (1899) fu fatta bruciare dalle autorità ecclesiastiche, si dedicò alla prosa e al teatro e pubblicò, fra l’altro, Vignette (1899), schizzi di vita borghese e proletaria, il romanzo La casa di Maria Ausiliatrice (1904), il racconto Il servo Jernej e il suo diritto (1907), considerato il suo capolavoro, il dramma I servi (1910) e i bozzetti Immagini dai sogni (1915-17), ispirati dalla guerra. C. è il prosatore di maggior rilievo della generazione modernista: formatosi al naturalismo, ne superò le limitate scelte tematiche e ideologiche per affrontare non solo le questioni sociali e di costume fino allora ignorate dalla provinciale letteratura slovena, ma anche un’intensa problematica spirituale.

Il servo Jernej e il suo diritto

Di tutti i manifesti del futurismo, il Manifesto del futurismo, pubblicato in francese su "Le Figaro" il 20 febbraio 1909 con il titolo Le Futurisme, è sicuramente il più celebre e celebrato. A motivo di questo primo manifesto e dei trenta redatti nell'arco dei successivi vent'anni (la gran parte compresi tra il 1909 e il 1917), emerge chiara l'intenzione di voler plasmare, distruggendola e rifondandola, una nuova concezione della vita e dell'arte. La Belle Époque, i cui limiti cronologici vanno dalla fine dell'Ottocento alla Prima Guerra Mondiale, vede un susseguirsi di scoperte scientifiche ed invenzioni tecniche che mutano radicalmente ed in modo assai veloce la concezione della vita nelle città: l'introduzione dell'automobile, dell'elettricità, della rete ferroviaria, assieme allo sviluppo dell'aviazione e all'espansione dell'industria, crea, secondo i futuristi, l'urgenza di rifondare alcuni modelli estetici sulle nuove percezioni e concezioni dell'esistenza e di ripensare a nuove modalità di linguaggio per le generazioni future, destinate a vivere in un'epoca caratterizzata da una profonda rottura con i valori del passato. I primi futuristi, Paolo Buzzi, Aldo Palazzeschi, Enrico Cavacchioli, Corrado Govoni, Libero Altomare, Folgore, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla, Gino Severini, Balilla Pratella, Antonio Sant'Elia, e naturalmente Filippo Tommaso Marinetti, l'ispiratore, fondatore e finanziatore di tutta l'impresa, propongono nuove concezioni alla base della pittura (Manifesto dei Pittori futuristi, 1910); della musica (Manifesto dei Musicisti futuristi, 1911); della drammaturgia (Manifesto dei drammaturghi futuristi, 1911); della scrittura (Manifesto tecnico della letteratura futurista, 1912 e Distruzione della sintassi. L'immaginazione senza fili e le Parole in libertà, 1913); dell'architettura (Manifesto dell'architettura futurista, 1914) e di tanti altri ambiti, a partire dalle posizioni generali già dichiarate nel manifesto fondativo del 1909. Mossi in primo luogo dal desiderio, condiviso da gran parte della loro generazione, che l'Italia sfrutti l'occasione storica di conquistarsi il ruolo di grande potenza, i futuristi propongono una rottura col passato dal carattere energico e aggressivo. Un documento storico, letterario e filosofico di grande interesse.

Manifesti e scritti vari

Non troverete Gopher Prairie nelle carte geografiche. Né la sua Main Street. Neppure se provate a cercarla con il satellite con Google earth. Ma è come se ci fosse. Perché la sua Main street, la sua Via Principale "è la continuazione di qualunque Via Principale di qualunque città (…). La Via Principale è l’apice della civiltà. Perché questa Ford potesse sostare davanti al magazzino Bon Ton, Annibale invase Roma ed Erasmo scrisse nei chiostri di Oxford." Quando apparve nelle librerie americane, La via principale suscitò grande scalpore; nessun romanzo prima di allora aveva osato mettere in discussione la bellezza della vita middle class provinciale americana, criticando l'ipocrisia che sta alle fondamenta della Cittadina. Gopher Prairie - cittadina immaginaria - si sente un po' Vienna un po' Parigi, si sente l'ombelico del mondo e l'erede naturale dell'Inghilterra Vittoriana, seppure è uno sputo di villaggio attraversato da una comunissima Via Principale. Architettura terrificante in un paesaggio desolato, un po' come quei piatti agglomerati che scorgi dal finestrino del treno mentre passi per la nebbiosa pianura padana. E proprio in queste piccole comunità rurali del midwest americano, dove gli immigrati erano scandinavi e tedeschi, Lewis snida l'insorgere di un temibile virus, il Virus del Villaggio, provincialismo mentale prima che geografico. In questo villaggio prova a combattere la sua personale battaglia la giovane Carol, cittadina dal brillante futuro che si trova a sposare un onesto dottore di campagna. Carol non si arrende al virus, non si accontenta di qualche gossip, o di entrare nel club delle pettegole giocatrici di bridge, non si accontenta del solito refrain da provinciali incalliti conservatori; vuole dibattere, vuole cambiare, vuole costruire. E intorno a Carol sfilano perfide bacchettone come la vedova Bogart o zia Bessie, la 'rivoluzionaria superficiale' Juanita Haydock - effervescente, irriverente; ma alla fine crudele come le altre se non di più - e la 'rivoluzionaria parziale' Vida Sherwin, maestra del villaggio con istinti riformatori ma che non osa mai più di tanto. Carol è decisamente sola contro Gopher Prairie, e scoprirà che nella vita ciò che conta non è vincere, ma continuare a combattere. Romanzo che fa pensare, una lettura che sa appassionare.

La via principale - volume primo

La via principale - Volume secondo

Uno dei testi più belli, significativi e complessi di Frank Wedekind si snoda in un’apparente perfezione e bellezza dei personaggi e dell’ambientazione, e nell’idillio complessivo in cui si svolge la trama, peraltro molto semplice: in un parco, separato dal resto del mondo da alte mura oltre le quali non è permesso vedere nulla, giovani fanciulle vengono educate sin dalla nascita a padroneggiare arti fisiche quali la ginnastica e la danza, e altre attività, come la musica e il canto, escludendo però totalmente lo spirito e ponendo l’accento unicamente sulla perfezione tecnica e corporea. La protagonista Hidalla passa le giornate ad esercitarsi in compagnia delle altre giovani, e, man mano che passano gli anni, assiste all’arrivo di nuove bambine e alla partenza delle ragazze più grandi, una volta raggiunti i quattordici anni. Questi sono due dei tre soli momenti in cui questo luogo esclusivamente femminile apre uno spiraglio al mondo esterno: il terzo avviene quando le ragazzine vengono portate nel teatro del parco, di notte, per mettere in scena delle pantomime e dei balletti di cui non conoscono e non sanno capire la trama, ma che, al contrario, l’ululante pubblico unicamente maschile comprende perfettamente e assiste con ingordigia. La particolarità del libro di Wedekind è l'intensità estrema di cui carica la corporeità, il simbolismo quasi folle e maniacale dell'organizzazione sociale e artistica cui accenna, e di cui non si riesce mai a vedere un volto definitivo, e dunque non è possibile darne una interpretazione, se non univoca, almeno unica e coerente. Un testo misterioso come la storia che viene narrata e trasparente come il suo titolo – “Mine-Haha” è un nome indiano di ragazza che significa “acqua ridente” -. Wedekind ci offre un racconto perfetto: affascinante, inquietante e imperscrutabile, con delle note quasi di sacralità che se, certamente, non significa idealizzazione e rarefazione, cancellazione della sensualità, di certo la porta ad esprimersi a tutt’altro livello, e in modo non consapevole.

Mine-Haha, ovvero dell'educazione fisica delle fanciulle

Mistero e realtà nei mari del Sud Oltre Moby Dick, Melville ci ha lasciato un tesoro e questo Benito Cereno è solo uno di quei gioielli. Letteratura di mare, letteratura di un mistero che non si nasconde sotto le acque, ma che è lì, sul ponte di quella nave, sotto gli occhi di Amasa Delano, l’americano, che tutto vede, ma nulla riesce a comprendere. Benito Cereno, pubblicato per la prima volta nel 1855, è un altro romanzo in cui l'autore prende spunto dalla sua esperienza da marinaio. È un modello di sintesi e di stile, dove Melville dipinge con colori plumbei una storia fitta di mistero e ambiguità. Come sempre la scrittura di Herman Melville riesce ad incantare ogni lettore e a travolgere il significato di ciò che si legge. In questo breve romanzo, nulla è come realmente sembra. Ciò che è preda diventa in realtà il predatore e lascia a bocca asciutta fino all'ultima pagina, fino a quando viene spiegata la verità con tratti crudi e senza senso. E' davvero giusto realizzare qualcosa anche se il mezzo è il più sbagliato? Dove inizia la follia e termina la ragione? Melville ci imprigiona in una gabbia stretta dove si ha la necessità solo di riflettere su quello che abbiamo letto pur di uscirne. Da leggere e assaporarne ogni parola, nella bellissima e intensa traduzione che ne fece Cesare Pavese.

Benito Cereno

Il poliziesco italiano doc Romanzo che inaugura il filone del romanzo poliziesco italiano e che per capacità di scrittura fu affiancato al più famoso Simenon e al suo commissario Maigret. Le indagini del commissario De Vincenzi prendono avvio quando questi riceve la visita inaspettata dell'amico Giannetto Aurigi che, dopo aver assistito alla Scala con la fidanzata ed i genitori di lei ai primi due atti dell'Aida, aveva lasciato il teatro per girare in solitudine per le vie nebbiose della città. Grande è la sorpresa del commissario quando riceve una telefonata che lo informa che è stato commesso un omicidio proprio nell'appartamento di Aurigi in via Monforte e che la vittima è il banchiere Mario Garlini, la cui banca aveva prestato una grossa somma di denaro ad Aurigi. Nel suo incontro all'ufficio del commissario, Aurigi aveva ammesso che negli ultimi tempi aveva giocato in borsa perdendo grosse somme, pertanto era impossibilitato a saldare il suo debito con la banca di Garlini. Da qui si snoda una vicenda che, attraversando una Milano segreta e affascinante, diventa ricca di colpi di scena, situazioni intricate, misteri difficili da sciogliere, che solo la grande esperienza del commissario saprà risolvere in un finale di crescente intensità emotiva. L’autore: Augusto De Angelis (Roma 1888 - Como 1944) Incarcerato per antifascismo nel 1943, morì in seguito alle percosse subite durante un'aggressione fascista. Scrittore e giornalista, considerato il "padre nobile" del giallo all'italiana. Protagonista dei suoi romanzi scritti tra il 1935 e 1942 e ambientati a Milano degli anni trenta è il Commissario Carlo De Vincenzi, della Squadra Mobile di piazza San Fedele: "umanissimo come Maigret, romantico come Marlowe, intellettuale come Philo Vance, eppure caparbiamente italiano".

Il banchiere assassinato

Inno alla grandezza di Dante Possiamo considerare Giovanni Boccaccio il primo cultore di Dante della storia. L’autore della Commedia – da lui definita divina – è stato l’astro più luminoso e brillante del suo firmamento letterario e poetico. Boccaccio è stato anche il primo biografo dell’Alighieri. Non avendolo mai conosciuto, per scrivere questa biografia ha raccolto le testimonianze di chi lo aveva frequentato. E’ stato nei luoghi del poema e nelle città che avevano ospitato l’exul immeritus. In questo modo, l’ingente materiale accumulato gli permette di disegnare un ritratto del poeta, sia fisico sia morale, comportamentale. Il Trattatello si sviluppa raccontando interessanti aneddoti sulla vita di Dante e la stesura della sua grande opera. Un tema culturalmente importantissimo che si affaccia in queste pagine è l’appassionata difesa che Boccaccio compie della decisione dantesca di utilizzare il volgare al posto del latino per il suo poema. Boccaccio lo difende a spada tratta: egli scelse il volgare «per fare utilità più comune a’ suoi cittadini e agli altri Italiani: conoscendo che, se metricamente in latino, come gli altri poeti passati, avesse scritto, solamente a’ letterati avrebbe fatto utile; scrivendo in volgare fece opera mai più non fatta, e non tolse il non potere esser inteso da’ letterati, e mostrando la bellezza del nostro idioma e la sua eccellente arte in quello, e diletto e intendimento di sé diede agl’idioti, abbandonati per addietro da ciascheduno.» Dante poté in questo modo allargare il pubblico dei suoi lettori; permise a moltissime persone, illetterate, di accostarsi proficuamente alla sua opera. Fece un’azione di moderna fruizione culturale. Ma i molteplici ricordi, le numerosissime citazioni, le analisi dell’opera e dell’”uomo” Dante, sono gli aspetti maggiormente interessanti e pregevoli di questa agile opera, che ci consegna un’ulteriore testimonianza della grandezza del sommo poeta.

Trattatello in laude di Dante

Boccaccio innamorato... Una lunga lettera di una innamorata fanciulla napoletana diventa il luogo nel quale Boccaccio fa vivere la storia d'amore tra Fiammetta e Panfilo e ne narra le vicende secondo uno schema classico per l'epoca di composizione (1343), rivisto e reso moderno dalla scrittura dell'autore. Fiammetta infatti non è rappresentata come oggetto d'amore, cosa che accadeva di norma nella lirica stilnovistica e trecentesca, ma come persona dotata di volontà ed emotività proprie, attraverso le quali parla alle altre donne per suscitarne la compassione e consolarsi così della propria sofferenza. Un gioiello della nostra letteratura ritrova il posto a lui dedicato.

Elegia di Madonna Fiammetta

Il 1895 fu un anno cruciale per Oscar Wilde: da un lato arrivò all’apice del successo con Un marito ideale e L’importanza di chiamarsi Ernesto, ma al contempo venne processato e condannato, con l’accusa di omosessualità, a due anni di lavori forzati in carcere. Venne rinchiuso nelle prigioni di Pentonville, Wansworth e Reading, che divenne poi famosa grazie alla Ballata del Carcere di Reading. Il carcere cambiò profondamente Wilde, al quale vennero concesse carta e penna per scrivere solo dopo oltre un anno di prigionia. Quando poté ricominciare a scrivere iniziò una lettera indirizzata all’ex amante, Lord Alfred Douglas, nella quale voleva discutere i cinque anni trascorsi insieme. Questa lettera divenne una sorta di autobiografia che Wilde scrisse in tre mesi. Si tratta di 20 fogli scritti a mano, per un totale di 50000 parole, in forma di lettera, senza una divisione formale, sebbene si possano riconoscere due parti principali: la prima, nella quale Wilde racconta gli anni trascorsi con Lord Alfred Douglas, e la seconda nella quale Wilde mostra la propria evoluzione spirituale avvenuta in carcere e dalla quale emerge come tema principale quello dell’auto-realizzazione. Il De Profundis di Wilde è importante proprio per questo: perché in quest’opera lo scrittore irlandese fa i conti con se stesso, con la sua vita, con la sua attività di letterato e di provocatore prima di entrare in carcere, rivendicando i propri meriti ma anche riconoscendo i propri sbagli. Wilde rivendica l’attività di letterato, il culto dell’estetismo, l’amore per il bello e per le arti; ma allo stesso tempo abiura le sue eccessive concessioni, che traspaiono anche da qualche aforisma poco felice, ad una concezione tutta edonista della vita, ad una sprezzante ironia nei confronti del popolo e delle persone semplici, ad una visione del mondo disincantata e cinica. La “Ballata del Carcere di Reading” racconta la storia dell’impiccagione di un giovane detenuto colpevole di avere ucciso la donna che amava ed evoca il rituale assurdo e feroce dell’esecuzione, e quella che contiene la profonda considerazione religiosa, sui mali del mondo e sulla redenzione. Ogni uomo uccide la cosa che ama, che ciascuno lo sappia: gli uni uccidono con uno sguardo di odio, gli altri con delle parole carezzevoli, il vigliacco con un bacio, il coraggioso lo fa con una spada. La Ballata del Carcere di Reading è una testimonianza della violenza silenziosa del potere esercitato sui carcerati in generale e in particolare sul giovane assassino che, assetato di vita beve l’aria del mattino e guarda dalla sua cella quel pezzetto di azzurro che in carcere è chiamato cielo e che soffre l’assillante controllo delle guardie per impedire che si possa togliere la vita e rovinare lo “spettacolo”.

De Profundis

Nel 1924 lo scrittore americano Eugene O’Neill definisce August Strindberg (1849-1912) "il precursore della modernità nel nostro odierno teatro" e senz’altro "il più moderno fra i moderni". È indubbio che l’autore svedese abbia ricevuto nel tempo sia il tributo degli espressionisti (che cadevano in una specie di "estasi strindberghiana"), sia di Franz Kafka ("Non leggo Strindberg per leggerlo, ma per posare la testa sul suo petto"), sia di André Gide (che lo annoverava fra "i personaggi eminenti dell’umanità") e che oggi si ponga all’origine del teatro dell’assurdo come delle correnti narrative più sperimentali, per non parlare del suo determinante influsso sul cinema, in particolare quello di Ingmar Bergman, che l’ha eletto "compagno costante" della sua arte. Il capro espiatorio è l'ultimo dei romanzi autobiografici di Strindberg, un gruppo che comprende Il figlio di un servo, che si occupa dell'infanzia e dell'adolescenza e lo sconvolgente Inferno, un resoconto dei suoi problemi coniugali e mentali. E’ stato composto poco prima del suo più raffinato dramma espressionista, The Ghost Sonata, una fantasia simbolica con la quale, per sottolineare la straordinaria versatilità di Strindberg, ha poco in comune. In effetti, sia nel genere che nello stile, Il capro espiatorio sembra più vicino alla dolce ironia e all’austero pathos di Gogol e al Diario di un uomo superfluo di Turgenev, oltre a trasmettere qualcosa del sapore naturalistico dei fratelli Goncourt, la vera influenza francese. Il protagonista, l'amabile avvocato, Edvard Libotz, condannato a una vita di estraniamento e di stoica disperazione in un triste monticello di montagna, può essere considerato una proiezione del dilemma psicologico di Strindberg. Libotz è l'anima schiacciata, il santo pazzo, odiato istintivamente dall'arrogante materialista Askanius, l'imbroglione Tjarne e da Karin, l'incarnazione della doppia morale borghese. L'impresa di Strindberg, in questo racconto, è piuttosto notevole, trascendendo gli elementi puramente personali, creando momenti di forte intensità e pungente umorismo, una storia incredibilmente viva di frustrazione scritta in una prosa sorprendentemente fredda e minimalista.

Il capro espiatorio

Amore e passione Un adolescente è spinto da un'irrefrenabile voglia di ribellione, e si lascia trascinare in un'avventura di passione e trasgressione in tempo di guerra: il libro di un giovanissimo autore, all'epoca diciassettenne, accompagnato da sempre da un alone mitico. Quest'opera colpisce l'animo del lettore per le straordinarie parole del suo autore e soprattutto per il mito che lo circonda (Radiguet è morto all'età di 20 anni). Temi come l'adolescenza, il tradimento, lo scandalo, la paternità, l'adulterio, l'amore e le inquietudini sono magistralmente trattati nel libro. Si tratta del primo romanzo di Radiguet, pubblicato l'anno della sua morte, 1923. L'autore, che ha evitato ogni romanticismo volutamente fittizio, ha sempre negato che la storia abbia riferimenti autobiografici. Il libro ha colpito l’immaginazione di numerosi registi che lo hanno trasferito in immagini. Da segnalare le produzioni cinematografiche di Autant-Lara e Marco Bellocchio. L’autore Raymond Radiguet (1903-1923) è stato un precocissimo talento letterario francese che univa ad una profonda conoscenza della cultura classica, una produzione poetica e letteraria di indubbia avanguardia. Riconosciuto dai critici per lo stile narrativo e la profondità dei temi trattati, nonostante la giovanissima età, Radiguet resta un autore di sicuro riferimento per la letteratura francese.

Il diavolo in corpo

Andare oltre per non farsi più trovare…. Cosa fare quando il futuro offre solo massacri, follia, colonne di prigionieri e carri bestiame? Quali sono le ragioni per trionfare sul totalitarismo, le paure e, perché no, il freddo? Condannato a morte nel 1914, l'impiccagione è stata, in seguito, “temporaneamente commutata in esilio perpetuo in Siberia”, il giovane Theodor Kröger, una volta libero, partecipò alla straordinaria avventura di isolare un villaggio russo dal resto del mondo, per sfuggire alla nuova tirannia bolscevica. Nascondere percorsi, trasformare le foreste in labirinti, far sparire carte per sfuggire al caos ... Quanto tempo? In questo romanzo, bestseller mondiale fin dalla sua pubblicazione nel 1950, l'oscurità di un'epoca e la grandezza dell'anima russa si mescolano con l'immensità della taiga, essa sola è in grado di resistere alla follia degli uomini. L’autore Nato nel dicembre del 1890 a San Pietroburgo da una dinastia di industriali tedeschi, Theodor Kröger aveva ventiquattro anni quando scoppiò la guerra nell'agosto del 1914. Catturato per aver tentato di raggiungere clandestinamente la terra dei suoi antenati, fu inviato in Siberia e sarà rilasciato solo cinque anni dopo. Terribilmente segnato da questa esperienza, si stabilì in Germania e dedicò il resto della sua vita alla scrittura, prima di morire in Svizzera nel 1958. Il villaggio sepolto nell’oblio, che ebbe un enorme successo editoriale fin dalla sua prima pubblicazione nel 1950, rimane il suo lavoro principale ed è nutrito dai suoi terribili ricordi delle galee. Theodor Kröger canta paradossalmente il suo amore per l'immensa Siberia e i suoi abitanti, ed evoca con una vitalità indimenticabile l'anima russa, i suoi demoni e, insieme, la sua bellezza.

Il villaggio sepolto nell'oblio

Apparso in rivista nel 1926, Il malinteso è il primo romanzo della allora ventitreenne Irène Némirovsky. Siamo ai primi del Novecento. Yves Harteloup, classe 1890, è un nuovo povero. L’eredità scarna di suo padre lo ha costretto a trovarsi un impiego e a condurre una vita parsimoniosa. L’unico lusso che può concedersi è quello di godersi alcune settimane di vacanza presso le spiagge di Hendaye. È durante le sue vacanze che una bimba, Francette - figlia della bella Denise - gli lancia pugni di sabbia in viso. Complice il sole tra i tamerici o i pugni di sabbia, tra Yves e Denise scocca la scintilla dell’amore. Finite le romantiche vacanze torneranno a Parigi. Continueranno a vedersi. Ma ripiombato nella sua realtà, Yves dovrà fare i conti con la sua vita e con i pochi mezzi a disposizione. Denise si strugge d’amore. E piange, piange, piange. Yves si scontra con la necessità di pagare i debiti e arrivare a fine mese. E mentre Denise continua a pretendere un amore rigorosamente “in smoking” Yves si impegna a trovare soluzioni… Una storia semplice, struggente, fatta di attese. Di parole non dette, di “ti amo” mancanti. Si intravvede la nuova realtà sociale caratterizzata dall’emergere di nuove classi sociali ed è interessante il nuovo concetto di lavoro, quel concetto comune a tutti noi mortali. Il primo passo di Irène Némirovsky verso un futuro pieno e maturo è cominciato nel migliore dei modi.

Il malinteso

Romanzo pubblicato postumo ed ambientato in un periodo che va dal 1912 al 1941, a Parigi, è un bell’esempio della letteratura decadente allora diffusa in Francia, di quella letteratura impegnata a svelare quanto avviene nell’interiorità dell’uomo, a superare l’evidenza. La scrittura è chiara, volta a scoprire i problemi, i drammi dell’animo umano, farne emergere le inquietudini e i turbamenti. Infatti Bernard, tornato dalla grande guerra, ha messo da parte gli ardori, gli entusiasmi che lo avevano animato prima di partire e assiste, disilluso, alla sfrenata ricerca di ricchezza, di lusso, di piaceri che si era diffusa allora a Parigi. Ma scoppia la seconda guerra mondiale e Bernard è richiamato alle armi. Le drammatiche esperienze che vivrà a causa della sconfitta subita dalla Francia, lo turbano e gli fanno riscoprire i valori semplici e naturali che aveva perso. Si capisce il dramma che vivrà l’autrice: perseguitata dalle leggi razziali, tra poco sarebbe stata arrestata e deportata a scrivere questo libro. Più che la scrittrice era la donna che vedeva dilagare il male ma non cessava di credere ancora possibile il bene, come lei lo desiderava.

I falò dell'autunno

Una silenziosa città mitteleuropea avvolta dalla nebbia e simbolicamente circondata da un fiume, è il luogo scelto dall’A. per ambientare questo romanzo esoterico che ci consegna, fin dalle prime pagine, un pressante messaggio: “Noi viviamo immersi nella materia, in uno stato di sonno spirituale … e dobbiamo tendere al Risveglio”. Cristoforo Colombaia, un orfano di genitori sconosciuti, viene adottato da un anziano nobile, che diviene suo magister animae. La piccola cittadina in cui vivono i protagonisti assume ora i tratti del borgo medievale, ora quelli della classica città disabitata fatta di rovine e presagi, disposti a parlare solo agli spiriti eletti. Il punto focale della vicenda è proprio l’iniziazione spirituale, vista come retaggio destinato da un’antichissima stirpe ai suoi discendenti, a cui Cristoforo (nomen omen) scopre di appartenere. La cristallina, quasi ingenua personalità del protagonista, identificazione perfetta dell’iniziando desideroso di guida perché spiritualmente predisposto alla realizzazione interiore, si sviluppa con il procedere della narrazione, essenziale quanto a vicende esteriori ma ricchissima di spunti tratti dalle dottrine tradizionali, Taoismo in primis. La figura misteriosa del Domenicano richiama infatti, più che il classico appartenente all’ordine dei frati a cui il lettore occidentale può essere abituato, un monaco buddhista. Il Domenicano bianco è un fine meccanismo ideato per l’esposizione di particolari aspetti della principale dottrina esoterica dell’antica Cina, quella via taoista padroneggiata con competenza dall’autore insieme a diversi altri aspetti della cultura estremo-orientale. L’insieme di questi aspetti ci offrono un’opera affascinante, piena di mistero, intrigante, ricchissima di contenuti.

Il domenicano bianco

Il poliziesco italiano doc La calura estiva di Milano nel giugno del 1937 è una cappa insopportabile che pesa sulla città. Siamo agli sgoccioli e a breve, tra una settimana, prenderà il via il Gran Premio Ippico di San Siro, uno degli appuntamenti sportivi più importanti della stagione milanese e nazionale. A correre saranno alcuni dei migliori purosangue in circolazione, ma favorita sembra essere la “Vergine”, una sconosciuta cavalla americana di proprietà del Barone Verbena del Santo e di sua figlia Verity. A rendere le cose complicate per il commissario De Vincenzi sono alcuni fatti di sangue legati all’ippodromo e alla “Vergine”: tutti i fantini scelti per portare la "Vergine" alla vittoria sono crudelmente assassinati. Sullo sfondo di una Milano estiva, strani personaggi incrociano le indagini del commissario che, con logica e determinazione, ma anche un bel po’ di follia, arriva alla soluzione che svela un atroce mistero. L’autore: Augusto De Angelis (Roma 1888 - Como 1944) Incarcerato per antifascismo nel 1943, morì in seguito alle percosse subite durante un'aggressione fascista. Scrittore e giornalista, considerato il "padre nobile" del giallo all'italiana. Protagonista dei suoi romanzi scritti tra il 1935 e 1942 e ambientati a Milano degli anni trenta è il Commissario Carlo De Vincenzi, della Squadra Mobile di piazza San Fedele: "umanissimo come Maigret, romantico come Marlowe, intellettuale come Philo Vance, eppure caparbiamente italiano".

Il mistero della Vergine

“Piccole donne” è un capolavoro della letteratura giovanile scritto nel 1868 da Louisa May Alcott e tradotto in tutto il mondo. Le protagoniste sono le quattro giovani sorelle March, Meg, Jo, Beth ed Amy, la loro famiglia e i Laurence, i vicini di casa. Radicate a saldi principi morali, sostenute da un grande sentimento religioso, da un profondo senso di dignità e dalla fede nel lavoro, le quattro sorelle affrontano le difficoltà e le gioie che la vita mette loro davanti. La Alcott incornicia con grazia ed efficacia la vita delle quattro piccole donne con le loro avventure, le disillusioni, gli amori e, sullo sfondo, la grande guerra di Secessione americana.

Piccole donne

Avevo vent'anni.... L’incipit del libro è uno dei più famosi e citati: “Avevo vent’anni. Non permetterò a nessuno di dire che questa è la più bella età della vita.” E qualche riga dopo si legge: “È duro imparare la propria parte nel mondo”. Paul Nizan apre così il suo romanzo, dimostrando una grande onestà nei confronti dei suoi lettori: è un libro doloroso, un anti-romanzo di formazione, un'opera in cui la crescita del protagonista ha meno importanza della sofferenza propedeutica a quella crescita. Il libro è del 1932, Nizan aveva 27 anni, combatte la sua guerra contro un sistema che non gli appartiene, in un mondo contro il quale scaglia tutta la sua rabbia, il suo malessere. Un libro filosofico, profondo, arrabbiato, un'invettiva dura contro il capitalismo, contro il falso intellettualismo e poi un viaggio per fuggire lontano, lontano dalla sua Parigi, per cercare qualcosa che avrebbe dovuto prima ricercare dentro di sé. Nizan sarà vittima di un mondo che con il suo sistema di guerra e di violenza lo porterà alla morte. L’autore: Paul Nizan nasce nel 1905 e dopo aver interrotto gli studi, a soli 21 anni, lascia la Francia e si trasferisce ad Aden, precettore presso una famiglia inglese. Tornato a Parigi insegna filosofia in un liceo e si sposa. Ben presto abbandona l’insegnamento e ed entra nel settore editoriale. Nel 1932 escono i primi testi. Sempre inquieto, abbandona il partito comunista. Parte in Guerra e nel 1940, durante le ritirata di Dunkerke, muore in seguito alle ferite riportate nella battaglia di opposizione alle truppe tedesche.

Aden Arabia

Un classico della letteratura tedesca torna di nuovo tra noi. Uno dei racconti più belli del romanticismo tedesco, un testo che tutti, grandi e bambini dovrebbero leggere. Schlemihl è la figura del candido, del maldestro, di chi non conosce il mondo e per questo finisce per esserne escluso. C'è forse un modo più garbato e leggero per rappresentare una tale condizione che non sia quello della perdita dell'ombra? Perdere l'ombra farà precipitare il nostro protagonista in una spirale negativa facendolo dubitare di tutto, perfino della sua identità. La "storia meravigliosa" precede il Faust, ne anticipa i temi che vengono trattati con un tono della scrittura che risulta affascinante, a volte persino divertente. Cosa ci può essere di più buffo, e nello stesso tempo di altamente drammatico, che vendere la propria ombra in una giornata di sole a un misterioso uomo vestito di grigio? Un testo da leggere e rileggere.

Storia meravigliosa di Peter Schlemihl

Uomini in caduta libera “In un mondo nel quale si possono contare circa venti milioni di disoccupati e in un paese dove la gioventù che esce dalle scuole si vede sbarrata ogni via e ogni occupazione proficua, la storia di un disoccupato diventa quasi simbolica e ci interessa di per sé”. Questo è l’incipit della recensione alla prima edizione italiana, anche se sembra un articolo di cronaca dei nostri giorni. Il romanzo, scritto in quattro mesi — dall’ottobre del 1931 al febbraio del 1932 — viene inizalmente pubblicato a puntate sul feuilleton di un quotidiano berlinese e poi pubblicato in volume in coincidenza dell’uscita dell’ultima puntata. Ottiene immediatamente un successo straordinario in Germania ma non solo. Viene subito tradotto e pubblicato da almeno altre dieci case editrici straniere. La vicenda narrativa si svolge nell’arco temporale di circa due anni (primavera 1930 – inverno 1932) e dunque per i lettori del quotidiano il testo di Fallada costituiva effettivamente una descrizione “in presa diretta” della realtà tedesca. Una realtà contrassegnata, come abbiamo letto, dal vertiginoso aumento del numero dei disoccupati. Le date, a proposito di questo libro, sono importanti. Ricordiamoci infatti che in Germania il 27 febbraio 1933 viene incendiato il Reichstadt e che il 23 marzo 1933 Hitler ottiene i pieni poteri. Fallada descrive con realismo e precisione una coppia giovane, onesta, lavoratrice e perbene in caduta libera verso la povertà. A poco a poco, Hans ed Emma Pinnenberg si ritrovano ad aver sempre meno fiducia e speranze nei confronti di questa Germania degli anni ’30. La crisi economica li travolge nella sua spirale infernale senza più lasciar loro se non il loro amore reciproco. Tremendamente attuale, “Kleiner Mann, was nunn?” (tradotto con piccolo uomo per significare la condizione di inferiorità verso la quale si indirizzano i protagonisti), è un testo che denuncia i pericoli verso i quali si può incamminare una società, qualora perda di vista valori fondanti come la solidarietà, la giustizia, la fratellanza. L’autore Hans Fallada (1893-1947) si chiamava in realtà Rudolf Ditzen, ma quando decise di fare lo scrittore si scelse uno pseudonimo, e lo fece mettendo insieme i nomi di due personaggi tratti dalle fiabe dei fratelli Grimm. Fallada è una delle figure di quel neorealismo tedesco (la Neue Sachlihkeit) del Novecento di cui fanno parte anche due importanti autori come Alfred Döblin (Berlin Alexanderplatz) ed Heinrich Mann (L’angelo azzurro). Dopo aver esercitato i mestieri più disparati — guardiano notturno, mercante di cereali, agente pubblicitario — Fallada si lancia nel 1929 nel giornalismo. Si dedica poi esclusivamente alla narrativa scrivendo opere con cui disegna un quadro molto fedele della società tedesca della sua epoca. Kleiner Mann, was nun? (del 1932) è il suo secondo romanzo. Acuminato profilo della società tedesca fra le due guerre, gli garantisce una grande notorietà anche al di fuori dei confini tedeschi.

E adesso, piccolo uomo?

Un classico intramontabile (ed. 2022) Il romanzo, che fu best seller nel XIX secolo, della Stowe ci offre un racconto realistico delle condizioni di vita degli schiavi neri in America e ci descrive la grande sofferenza subita durante il periodo schiavista. Un romanzo che contribuì in maniera considerevole alla campagna abolizionista ricevendo la stima di Abramo Lincoln.

La capanna dello zio Tom

Identità confuse e verità "nebbiose" (edizione 2022) Il romanzo, pubblicato per la prima volta nel 1914, vede la luce tra le trincee della grande guerra e provoca subito un gran rumore. De Unamuno definisce il suo romanzo una “nivola”, per definire l’intreccio romanzo-protagonista-autore che rende speciale questo libro. Unamuno si concentrò particolarmente sull'evoluzione e sullo sviluppo psicologico dei vari personaggi, contrapponendosi al narratore onnisciente in terza persona presente nel realismo. L'idea quindi è preponderante rispetto alla forma, e la distinzione tra autore e personaggi è spesso labile, tanto da scomparire. La trama è di per sé piuttosto semplice almeno fino al capitolo 31: da lì in poi inizia un altro libro. Un dialogo serrato tra l’autore e il personaggio principale che – tra accuse reciproche di “inesistenza” – si conclude con la mesta uscita di scena del protagonista, rassegnato alla morte per mano dell’autore. Qualche dettaglio in più va dato, per incuriosire chi ancora non conoscesse quest’opera. La vita di Augusto è avvolta in una sorta di nebbia non fisica ma spirituale, che non gli consente di vivere appieno, di accorgersi di quanto accade attorno a lui ma nemmeno di quanto accade dentro di lui. Incontrerà delle donne sulla sua strada, se ne innamorerà (o crederà di innamorarsi), sarà sul punto di sposarsi quando una tremenda delusione lo porta a decisioni estreme. Il libro diventa speciale quando Augusto decide di incontrare l’autore del libro. Quindi esce dal libro (e dalla nebbia) e si confronta con Unamuno. È un confronto serrato in cui l’identità di Augusto si frammenta e diviene indecisa e indefinita. È un testo calato nel suo tempo (possiamo vedere il libro anche come un atto di accusa “contro” la guerra appena iniziata), eppure “eterno”: sono gli anni del definitivo crollo delle geometrie euclidee (oltre che di una serie di scoperte “sconvolgenti” e “anti-intuitive”) e da lì in poi inizia il crollo per le idee di certezza assoluta, individuo e verità. Forse, l’uscita dalla nebbia del personaggio è solo l’ingresso in una nebbia ancora più fitta dalla quale – purtroppo – crediamo di essere usciti. Riscoprire e ri-leggere questo testo ci aiuta a riconnetterci con un “circolo ermeneutico” che davamo disperso, e ci fa godere del piacere di un’ottima prova di grande letteratura. L’autore: Scrittore e pensatore spagnolo (Bilbao 1864 - Salamanca 1936), è il maggior rappresentante degli intellettuali innovatori della "generazione del '98". Già nei primi saggi En torno al casticismo (1895) attaccò il fanatismo conservatore; la critica dell'isolamento orgoglioso e dell'ostinata fedeltà alla tradizione proseguì nei successivi Ensayos, riuniti da ultimo in sette volumi (1916-18). Ma, partito dalla polemica antitradizionalista e, come più tardi Ortega y Gasset, dall'esigenza di definire il posto della Spagna nell'Europa industrializzata, U. identificò il ruolo della hispanidad nel mantenimento del "senso tragico della vita", cioè nella viva coscienza delle antinomie fondamentali (ragione e fede, vita e intelletto) che il moderno razionalismo non potrà risolvere. Questo e gli altri temi di U., l'ansia di eternità, il rapporto fra Dio e l'uomo, sono sviluppati in saggi, romanzi e nel teatro.

Nebbia

Il romanzo che riafferma il valore dell'uomo sulle cose In questo romanzo dai sapori decisamente utopistici (il titolo scelto per questa edizione cerca di rendere omaggio al pensiero positivo che Morris trasferisce piuttosto che identificare “nessun luogo” con un carico negativo che la traduzione italiana di “nowhere” con “nessun luogo” riporta), Morris ci descrive un tempo e un luogo trasformati non tanto da una ideologia – Morris è uno strenuo difensore del socialismo britannico – quanto dal desiderio degli uomini di riacquistare alcune fondamentali dignità andate perdute con l’avvento dell’epoca industriale: tempo per le persone per stare qualitativamente meglio insieme; lavoro che tende ad una produzione che segue i reali bisogni delle persone e non le logiche del profitto; gioventù educata secondo principi che si rifanno allo sviluppo naturale delle cose; relazioni sociali orientate all’accoglienza e alla condivisione. Riscoprire Morris e le sue Cronache da Utopia riveste un significato importante: riscoprire un ideale di vita vicino ai principi che furono i capisaldi della cultura umanistica, riaffermando il valore dell'uomo sulle cose, avendo cura nella formazione delle persone attraverso il sapere, l'esempio dei maestri, l'amore che sostiene il "fare le cose" con bellezza. "Un testo che ha fatto scuola per moltissimi, un esempio di mondo non proprio così impossibile, che spesso oggi cerchiamo e crediamo sia la soluzione a molti dei guai che stiamo attraversando." (Recensione) L'AUTORE: William Morris fu personaggio eclettico: romanziere, pensatore, artista, politico, trend-setter in settori quali l’architettura, la grafica, l’arredamento e il design. Morris è anche un convinto sostenitore del recupero del lavoro manuale e degli antichi mestieri. Non a caso fonda la società Arts and Crafts, ancora oggi in attività, e i suoi insegnamenti sono alla base di alcuni recenti esempi italiani (Brunello Cucinelli ha individuato in Morris il riferimento della sua Scuola dei mestieri iniziata a Solomeo).

Cronache da utopia

La passeggiata è un racconto breve di Robert Walser (1878 -1956), ambientato nei luoghi della sua cittadina natale, la svizzera Bienne nel Cantone Berna, ed è considerato un testo emblematico, nel quale si realizza, con risultati di altissima poesia, la sintesi di cui è maestro Walser: tra incantato e dissociato, tra distante e partecipe. Walser è un sognatore un po’ anarchico che s’intestardisce ad afferrare l’inafferrabile bellezza delle cose; la sua passeggiata è un inno alla leggerezza e alla finezza, alla bellezza e all’arte, ancor più in quanto, per contrasto, ci mostra la prosaicità e pesantezza del mondo reale che incontra nel suo cammino. L’autore stesso, infatti, scrive: “Lei non crederà assolutamente possibile che in una placida passeggiata del genere io m’imbatta in giganti, abbia l’onore d’incontrare professori, visiti di passata librai e funzionari di banca, discorra con cantanti e con attrici, pranzi con signore intellettuali, vada per boschi, imposti lettere pericolose e mi azzuffi fieramente con sarti perfidi e ironici. Eppure ciò può avvenire, e io credo che in realtà sia avvenuto.” Tutto ciò si svolge all’interno di un mondo soave, quello walseriano, dominato dalla mitezza, dalla cortesia, dall’eleganza dei modi e dei pensieri, ma anche dalla consapevolezza dell’infelicità – senza necessariamente cadervi -, dall’incontro con il diverso – senza viverlo come una minaccia -, dall’intrattenersi con gli altri, decantandone magari le qualità – senza per questo aspettarsi da loro niente. Durante la sua passeggiata, ogni particolare che attira la sua attenzione e che gli evoca qualcosa prende anima, si trasforma ai suoi occhi in un piccolo incanto, in oasi di pace ora fisica ora interiore, in pensieri e riflessioni delicate e sapienti. È come un altro modo di esistere e di vedere le cose. Il mondo come non è ma come vorremmo che fosse. Robert Walser è unanimemente riconosciuto come uno dei massimi scrittori di lingua tedesca del ‘900. Letto e ammirato dai suoi più grandi contemporanei, da Musil a Kafka, da Canetti a Benjamin, che gli dedicò uno dei suoi saggi, Walser ebbe un’esistenza errabonda, sparsa in vari luoghi, dedita ai mestieri più diversi e segnata a partire dall’età di 51 anni dai ricoveri in cliniche psichiatriche; il primo quando a causa di crisi d’ansia e allucinazioni accettò, volontariamente, un primo ricovero. Successivamente, solo inizialmente contro la sua volontà, restò nel sanatorio di Herisau, sempre in Svizzera, dove visse, di fatto in un esilio volontario, per ventitré anni, fino alla morte, senza scrivere più nulla. Riceveva peraltro le visite assidue dell’amico Carl Seelig con cui discorrerà e passeggerà insieme per tutti quegli anni. Finché, il 25 dicembre 1956, proprio durante una passeggiata, Walser si accasciò sulla neve e lì fu trovato morto. Ironia della sorte, perché lui era un grande amante delle passeggiate e un grande camminatore: si pensi che una volta da Berlino tornò nella sua Bienne a piedi.

La passeggiata

La leggenda del golem, ben nota a tutti coloro che sono passati per Praga, ispira questo suggestivo romanzo di Meyrink, romanziere ed esoterista. Questo libro, suo primo romanzo, fu pubblicato nel 1915, ed ebbe un successo straordinario. La magia e la suggestione della città e del ghetto si mischiano alle tematiche occultiste che vennero poi riprese dall’autore nei suoi romanzi successivi, e che furono oggetto dei suoi studi per gran parte della sua vita. Cornice musicale: klezmer, musica tradizionale ebraica.

Il Golem

L'eterna lotta tra il bene e il male.... Mouchette Malorthy, una ragazza comune, volgare eroina del piccolo mondo borghese e provinciale, è un’assassina, un’anima silenziosa, solitaria, glaciale, è il capolavoro del Diavolo. Nessuno sospetterebbe di lei, ma un povero prete di campagna, un rozzo vicario alquanto goffo e ignorante, a volte persino ridicolo, intuisce lo stato di peccato dell’anima della giovane e cerca invano di ricondurla al bene. Bernanos, in un romanzo che rivela le doti di uno dei più grandi scrittori della sua generazione, descrive l’eterna lotta interiore dell’anima, il dramma umano, la dolorosa necessità di scegliere tra bene e male, che ogni uomo deve affrontare in ogni istante dell’esistenza.

Sotto il sole di Satana

Eros, pathos, anthropos Gustave Flaubert è genio assoluto e a distanza di oltre un secolo e mezzo dalla sua prima apparizione, Salammbô non risente del tempo. È quello che fanno i classici. In Salammbô, romanzo storico ambientato nella Cartagine del III secolo avanti Cristo, al tempo della rivolta dei mercenari, c’è l’anthropos, tutto e senza censure, declinato nella chiave di lettura eterna dell’eros. E sempre sotto il vessillo dell’eros, stavolta antichissimo, ancestrale, si svolge la storia tra i due grandi protagonisti del romanzo storico di Flaubert. Eros che si intreccia a quello misterico e tabù degli dèi. Flaubert ha messo dieci anni solo per rifinirlo, ma ha scritto quello che forse è l’ultimo capolavoro autenticamente grecoromano. Fu pubblicato per la prima volta più di centocinquantacinque anni fa, nel 1862. E va assolutamente riletto, oggi più che mai nell’epoca in cui l’Europa, per ragioni di bassissima bottega, disconosce sé stessa e rinnega la sua anima. Quando si arriva all’ultima pagina, all’ultima riga, all’ultima solenne e fatale parola si sprofonda nella disperazione dell’abbandono. Veramente vuoi già andartene per sempre, maledetta Salammbô?

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